25 и 27 апреля 2021 года в Челябинском Молодежном театре состоялась премьера спектакля «Ван Гог. Автопортрет» по мотивам «Писем к брату Тео» Винсента Ван Гога и эссе Антонена Арто «Ван Гог. Самоубитый обществом». Нам удалось побеседовать с режиссером Александром Черепановым о том, как к нему пришла идея поместить в одно сценическое пространство Ван Гога и Арто, о схожести судеб художников-мыслителей, о мировоззрении творцов, не имевших признания при жизни, об ощущении глобальной несправедливости. Предлагаем вашему вниманию первую часть беседы.


Часть 1

– В одном из интервью вы признаетесь: «Я столкнулся с письмами Ван Гога, они показались мне настолько человечными, душевными, полными любви. В тот момент я подумал, насколько схожи судьбы двух этих творцов, двух гениев: Ван Гога и Антонена Арто». Расскажите, как вы лично относитесь к гениальности Ван Гога, к гениальности Арто? Вам жаль Ван Гога? Или про жалость здесь говорить не уместно?

Винсент Ван Гог. Автопортрет (1887 год)

– Сложно сказать… Гениальность Ван Гога – это такая очевидная вещь. Весь мир понимает и знает это. Что-то добавить здесь сложно.

Да, о жалости уместно говорить. Это жалость человеческая, гуманистическая. Конечно, не христианская. И обусловлена она несправедливостью, которая была допущена обществом по отношению к Ван Гогу. Ведь признание к нему пришло только после смерти. И мое чувство по этому поводу даже нельзя назвать жалостью… Это ощущение какой-то глобальной несправедливости.

– А кто в спектакле на первый план выходит: Ван Гог или Арто? Судя по названию, все-таки Ван Гог. Верно?

– Я бы так не сказал. Для меня эти художники, мыслители равнозначны. Из названия, конечно же, кажется, что Ван Гог – центральная фигура спектакля. Но Арто, если называть иронично, выступает «серым кардиналом» современного театра. Его мало кто знает при том, что он серьезное влияние оказал на европейский театр и даже на русский театр. И продолжает оказывать. Можно сказать, современный европейский театр (а Россия – часть Европы) воплотил идеи Арто. И поэтому в спектакле Арто играет не последнюю роль. Он не только персонифицированно присутствует на сцене, его мысли и идеи присутствуют в спектакле. В том числе звучат отрывки эссе «Ван Гог. Самоубитый обществом».

Здесь вспоминается фраза гениального мыслителя современности Мераба Константиновича Мамардашвили, который всегда интересно, четко, остро, свежо описывал глобальные проблемы человечества. Он говорил: «Мысль может проявляться в разных формах». Его лекция «Метафизика Арто» посвящена формам выражения мысли.

Мысли Ван Гога присутствуют в чудесных живописных работах. А мысли Арто выражаются не только через театральное искусство, но и через прекрасные эссе, поэзию, пьесы и романы.

– Прозвучат ли со сцены такие провокационные высказывания Арто, как «психиатрия сама видится загоном горилл, одержимых манией преследования и способных смягчить самые ужасающие приступы страха и удушья, которые только знал человек, лишь своей смехотворной терминологией, достойным порождением их ущербных мозгов»; «ежели при совокуплении у психиатра из глотки не вырвалось знакомое кудахтанье и одновременное бульканье в горле, пищеводе, провозгласить себя удовлетворенным он никак не может». Вы сглаживали, «причесывали» текст? Или возмущенные речи Арто будут греметь со сцены в том виде, как они написаны?

– Исходя из постулатов Арто, театр не должен быть текстоцентричным. Поэтому здесь нет вопросов «сглаживания» или «несглаживания» текстов. Здесь возникают скорее вопросы проявления мыслей каким-то иным способом, в иной форме. Перевод текста на другой язык, на язык совершенно иных структур.

Антонен Арто. Автопортрет (1947 год)

Конкретно эти тексты не будут звучать в спектакле. Хотя я их в каком-то смысле разделяю. Но мне не хочется переходить на территорию психиатрии. У Арто были личные счеты с психиатрами. У меня таких счетов нет…Пока нет. Не зарекаюсь ни от чего, все возможно в жизни. И у меня нет желания оскорблять врачей психиатрических лечебниц. Хотя вскользь мы затронем эту тему. Не в такой острой форме. Потому что проблема психиатров для меня в спектакле не главная.

В постановке на первый план выходят другие проблемы. В спектакле показано общество как некая аморфная субстанция, которая глуха к боли ближнего, которая не способна проявить эмпатию, сострадание. Общество, которое зациклено всегда на себе.

Сейчас это, на мой взгляд, очень актуально.

– В своих интервью вы упоминали, что вдохновением для постановки «Ван Гог. Автопортрет» послужили «Письма к брату Тео» Винсента Ван Гога и эссе Антонена Арто «Ван Гог. Самоубитый обществом». Как вы соединяли эти тексты? По какому принципу происходил выбор фрагментов? Из вашей лекции «Антонен Арто. Безумный взгляд» на Лаборатории зрителя стало понятно, что именно вы занимались этим.

– Выбор был мучительным. Несмотря на то, что судьбы Ван Гога и Арто схожи, совмещать, соединять их тексты было крайне сложно.

Стоял выбор между хорошими текстами писем Ван Гога и интересными, своеобразными текстами Арто, которые почти не связаны, не коррелируются. Разве что они могу только находиться в конрапункте, потому что письма Ван Гога наполнены какой-то человечностью, чувственностью, добротой, нежностью, любовью. А тексты Арто острые, обличающие в каком-то смысле, они преисполнены физической боли. Ее, эту боль, ощущаешь, когда читаешь каждое предложение, каждое слово.

Александр Черепанов. Фото: Александр Исаков

Нужно понимать, что идея театра Арто не сводится к тексту. Передо мной как режиссером стояла непростая задача: необходимо, чтобы в спектакле и текст был, и реализовывались идеи Арто на сцене. Мне его подход очень близок. Я тоже считаю, что театр не создан для обслуживания текста.

Театр самодостаточен, он существует сам по себе. Текст возможен в театре, конечно. Это не значит, что мы пытаемся его как-то отрицать. Но это как одно из выразительных средств. На тексте не может зиждиться театр. Это совершенно обособленный вид искусства, в котором много тайн. И возможности театра до сих пор в полной мере не раскрыты, не изучены. Именно этим мы пытаемся заниматься. Поэтому было очень сложно выбирать эти тексты, выстраивать их в логическую цепочку, менять местами, потом от них отказываться, искать новые фрагменты, подходящие по смыслу… Не только я этим занимался, но и артисты мне в этом помогали. И это замечательно! Здесь очень важно то, как артист личностно относится к материалу. Поэтому я попросил их подключиться к процессу выбора фрагментов писем Ван Гога и эссе Антонена Арто. Я попросил найти те, которые им ближе, которые по душе. В такой совместной работе мы существовали долго…

– То есть вы не приглашали драматургов из Екатеринбурга?

– Нет-нет, никого не приглашал! В данном случае драматург был бы лишним. Видите, я рассуждаю здесь как Ван Гог… Он про себя говорил: «Я лишний».

Безусловно, я люблю всех наших замечательных ребят из уральской драматургической школы, и с удовольствием работаю со многими. Но здесь другая история…

Ближайшие показы спектакля запланированы на 26 мая, 10 и 24 июня 2021 года. Не пропустите!



Беседовала Светлана Демцура

25 и 27 апреля 2021 года в Челябинском Молодежном театре состоялась премьера спектакля «Ван Гог. Автопортрет» по мотивам «Писем к брату Тео» Винсента Ван Гога и эссе Антонена Арто «Ван Гог. Самоубитый обществом» Часть 1

Ощущение глобальной несправедливости

Портал «Культура и искусство Южного Урала» начинает серию
публикаций о семьях творческих людей нашего региона. В список попали
супружеские союзы из разных учреждений культуры, подведомственных Минкульту
Челябинской области. Знаем, что семей в наших творческих коллективах гораздо
больше! Познакомимся с некоторыми из них. Разрушим аксиому классика, расскажем,
что каждая семья счастлива по-своему.
Как любая семейная жизнь начинается с регистрации брака,
так и наш проект стартует со свадебного торжества. Красивая дата 11.11 стала
началом счастливой семейной жизни солистов оперной труппы Челябинского театра
оперы и балета им. М.И. Глинки. 11 ноября 2024 года выпал на понедельник. У
всех начало трудовой недели, а в театре единственный выходной. Чем и
воспользовались Екатерина Пыжова и Борис Оношко. 
Первоначально Борис и Екатерина планировали организовать
свадьбу 21 ноября, это значимая для пары дата, день первого свидания. Но
некоторые добрые друзья и близкие родственники не смогли бы присутствовать на
торжестве. И тут внезапно оказывается, что открыта для регистрации красивая
дата – 11 ноября. Сомнений не осталось. Ребята подали заявление и оказались в
числе немногочисленных счастливчиков, получивших первый семейный документ с
красивой датой. 
Как встретились молодые люди? Где познакомились северянин
и москвичка? Об этом и многом другом мы поговорили с молодоженами.

Первый выход на
сцену в день свадьбы
Екатерина: Ноябрь для меня самый счастливый месяц. Свадьбу
мы играем в ноябре, первое свидание у нас случилось в ноябре и в Челябинск я
впервые приехала в ноябре и контракт с театром у меня заключен тоже 11 ноября! В
2019 году, студенткой четвертого курса Московского института музыки им. Шнитке,
я приехала в Челябинск на предварительное прослушивание. Художественному
руководству театра понравилась, но Евгений Григорьевич Волынский посоветовал
мне завершить обучение и потом поступать в труппу театра. 
Борис: Честно говоря, я впервые увидел Катю на том
прослушивании. Она сразу привлекла мое внимание. В то время я был стажером
оперной труппы, нам разрешали приходить на прослушивания. Когда вышла Катя я
увидел образ человека, её волевые черты, почувствовал, что таких девушек я
раньше не встречал никогда. Я даже не вслушивался в программу, которую она
исполняла. Катя уехала продолжать учебу, а я периодически мысленно возвращался
к образу, нашел Катю в социальных сетях, посмотрел, чем она интересуется, узнал,
что ей близко. Решил, что во многом мы схожи и возможно что-то у могло бы
получиться. Встретились мы через год, начали общаться, я понял, что чувства
меня не обманули. Катя - та самая девушка, которую я искал всю жизнь. У меня никогда
не было каких-то особенных требований к подруге, но когда я встретил Катю,
сразу понял, что этот тот самый человек!

Екатерина Пыжова,
опера «Садко»
&nbsp;
Екатерина: Представьте себе мое удивление! После
окончания учебы я приезжаю в Челябинск, кстати, был ноябрь. И первое, что
говорит моя коллега и соседка по квартире Мария Гуйтар: «Катя! Тебя уже ждет
Борис!» А я даже не знаю кто это! Первым делом я прочитала информацию на сайте
театра, посмотрела на фотографию. С экрана на меня смотрел очень
привлекательный молодой человек с острым взглядом. В галстуке и костюме Борис
выглядел весьма представительно. Решила при случае познакомиться с ним.
И случай не заставил себя ждать. Осенью 2020 года Борис
Оношко и Екатерина Пыжова зачислены в состав солистов оперной труппы
челябинского театра. Вопрос личной встречи стал делом времени.
Екатерина: Очень хорошо помню момент первой встречи.
Мы с Виталием Савельевым шли из отдела кадров на репетицию, только подписали
контракт. И в кулисах на противоположной стороне сцены я увидела подсвеченный
софитами профиль. Это был Борис. Как будто кадр из кинофильма. Он врезался мне
в память на всю жизнь…
Борис: А потом начались совместные репетиции. К
премьере готовился мюзикл для всей семьи «Алиса в стране чудес». Этот спектакль
стал нашей судьбой. В постановке у меня роль грифона Додо, Катя – черепаха
Квази. Для нас это не просто персонажи. Возможно, эти роли повлияли на всю нашу
судьбу. У нас в спектакле абсолютно прекрасный танец!

Борис Оношко,
опера «Садко» Екатерина: Да! Мы танцевали, репетировали, танцевали.
Нас объединила не только музыка, но и танец. Надо сказать, что у черепахи
дерзкий характер, а грифон по сути своей мечтатель. В танце черепахи и грифона
есть один романтический момент. В финале грифон падает на руки черепахе, и она
его целует! 


Борис: Танец позволил нам быстро привыкнуть друг к
другу. Мы общались на репетициях и в перерывах, быстро поняли, что у нас схожие
взгляды на жизнь, на музыку, на оперу. И буквально через десять дней я позвал
Катю на первое свидание.
Екатерина: Не могла отказать Борису. Настолько все
сошлось! А самое фантастическое, что Борис похож на моего любимого дедушку,
даже имя у них одно на двоих. Всегда мечтала, чтобы мой муж был на него похож.
И Борис оправдал мои ожидания: похож не только внешне, но и многими чертами
характера!
Стремительное первое свидание послужило отправной точкой теплых
длительных отношений. Четыре года Екатерина и Борис вместе. Им никогда не
скучно, всегда есть что обсудить. Острота ощущений не притупляется со времени
первого свидания.

Родные и близкие
молодоженов накануне свадьбы после спектакля «Алиса в стране чудес» Получается, что Челябинск – самый главный город в вашей
судьбе?


Екатерина: Точно! Не только город, но и театр! У нас
не было сомнений, где играть свадьбу. Только в Челябинске. Сюда приехали наши
родственники со всех концов России. Борис из Нефтеюганска, а я из Москвы, все
наши родные живут в других регионах.
Борис: Мы счастливы, что так сложилась наша судьба.
Благодарим администрацию за возможность в день свадьбы выйти на сцену, сфотографироваться
в локациях родного театра. Кстати, первое знакомство наших родителей состоялось
тоже в челябинском театре оперы и балета. Причем на спектакле «Алиса в стране
чудес»! Накануне свадьбы давали этот мюзикл, наши родные прилетели в Челябинск,
и вся объединенная большая семья пришла в театр. До этого момента родители были
знакомы только заочно.

Екатерина Пыжова и
Борис Оношко. Грифон Додо и черепаха Квази.
Мюзикл «Алиса в стране чудес»
&nbsp; 
Свадьба пела и плясала буквально один день. Уже утром
артисты отправились в классы на репетиции. Меццо-сопрано и баритоны чаще
готовятся отдельно, объединяясь только на мизансценических или оркестровых
репетициях. И на спектаклях, разумеется.
Удалось воплотить все творческие мечты на челябинской
сцене?
Екатерина: Работы для меццо-сопрано в нашем театре
очень много, я уже освоила почти весь репертуар. Афишу нашего театра украшают
шедевры оперного искусства. «Садко» и «Князь Игорь», «Евгений Онегин» и
«Фауст», «Травиата» и «Пиковая дама», «Риголетто» и «Жизнь за царя», а ещё есть
мюзиклы и оперетты! Из больших работ осталась только Кармен. Надеюсь, что
когда-нибудь и она сбудется.
Борис: Мне очень нравится репертуар нашего театра.
Могу признаться, что в театральное искусство я влюбился здесь, в Челябинске.
Впервые я попал в оперный театр ещё в студенческие годы, когда учился в
институте культуры. До этого момента я думал, что Челябинск станет лишь ещё
одним городом в траектории моей учебы и после института я уеду куда-то ещё. Но
тут случился театр, я понял, что это мое призвание. К счастью, после окончания
ВУЗа меня приняли в труппу театра. И несколько лет со мной индивидуально
занимался солист театра Дмитрий Никитин, очень благодарен ему за это. Главные
партии, я уверен, у меня ещё впереди.
Жизнь театра поглощает все ваше время?
Екатерина: У нас много интересов, любим проводить
время вместе. Не так давно мы увлеклись кулинарией, стали осваивать рецепты
разных национальных традиций. Последнее время изучаем грузинскую кухню. Кулинария
сродни мистическому колдовству. Готовим всегда вместе, это нравится нам обоим.
Борис: И,
конечно, кинематограф! Мы любим авторское кино, смотрим ленты великих
режиссеров, ходим на ретро-показы. Интересно не только следить за сюжетом, но и
оценивать фильм с профессиональной точки зрения. Находить какие-то приемы,
ходы, которые можно использовать и в своей работе. Опера – это же не только
пение. Важны пластика, владение своим телом, эмоциями. Очень любим открывать
для себя новые имена в кинематографе.

11 ноября – день
свадьбы. Екатерина Пыжова и Борис Оношко
&nbsp;
Удаётся выбираться в другие театры, посещать выставки?
Екатерина: Когда бываем в Москве каждый раз стараемся
найти что-то интересное, сходить в театр «Мастерская Петра Фоменко». Это наш
фаворит. Здесь в Челябинске основное время у нас посвящено работе. Иногда
выбираемся в кино или на выставку.
Борис: Мы любим разные активности. Наш театр живет
как единый организм, мы часто встречаемся с коллегами и вне стен театра.
Общаемся, играем в настольные игры, весело проводим время. Важно, что в
коллективе все друг другу помогают, оказывают поддержку в любых ситуациях. Театр
в прямом смысле стал нашим домом и нашей семьей. Это важно в жизни каждого
артиста.

Екатерина Пыжова и
Борис Оношко
&nbsp;
В чем секрет счастливой совместной жизни?
Борис и Екатерина: Главное, чтобы в семье было
взаимопонимание! Если что-то напрягает, надо сразу же обсуждать. Мы за
разговоры! Нам очень помогает музыка, общность творческих интересов.
Многогранное искусство театра часто подкидывает сложные задачи, которые всегда
легче решать сообща. А ещё обязательно должно быть весело и смешно. Где-то вовремя
пошутить, вместе посмеяться, тогда все жизненные проблемы исчезнут сами собой.
&nbsp;
Афиша театра оперы и балета им. М.И. Глинки говорит нам, что
одновременно супругов Бориса Оношко и Екатерину Пыжову мы сможем увидеть 13
декабря в мюзикле «Алые паруса».
&nbsp;
Фото: Людмила Ковалёва; Андрей Голубев, ЧГАТОБ им. М.И.
Глинки; из архива семьи Екатерины Пыжовой и Бориса Оношко

Портал «Культура и искусство Южного Урала» начинает серию публикаций о семьях творческих людей нашего региона. В список попали супружеские союзы из разных учреждений культуры, подведомственных Минкульту Челябинской области. Знаем, что семей в наших творческих коллективах гораздо больше! Познакомимся с некоторыми из них. Разрушим аксиому классика, расскажем, что каждая семья счастлива по-своему.

Любовь с первого танца

В Челябинском государственном театре оперы и
балета им. Глинки состоялась премьера: балет-водевиль «Гусарская баллада»
поражает масштабом.

Название «Гусарская баллада», скорее всего,
вызовет в памяти массового зрителя киноленту гениального советского
комедиографа Эльдара Рязанова, снятую в далёком 1962 году. Спору нет, фильм
прекрасен и недаром стал хитом советского проката. Но балет? Как передать
музыкально-пластическими средствами историю девушки, которая частью из любви к
блестящему поручику, частью из чувства патриотизма переоделась в гусарский
мундир и остригла волосы?
&nbsp;
Сразу хочется сказать, что приставка
«водевиль» дала постановщикам возможность раздвинуть границы жанра. Помимо,
собственно, красивого классического балета, в «Гусарской балладе» есть и
оперные номера, и реплики. Поэтому канва истории, известной по классической
киноленте, передана с собственной изюминкой. Сценографию балета о войне 1812
года разработал действительный член Российской академии художеств Дмитрий Чербаджи,
а поставили спектакль заслуженные артисты России Сергей Бобров и Юлиана
Малхасянц. Синергия их талантов породила поистине любопытнейшее зрелище. Новую
музыкальную редакцию создал правнук композитора, Тихон Хренников-младший,
включив в партитуру музыку из кинофильма «Гусарская баллада» и балета «Наполеон
Бонапарт».
&nbsp;

Оригинальное либретто Боброва и Малхасянц
написано по мотивам мемуаров «Записки кавалерист-девицы» Надежды Дуровой и
пьесы «Давным-давно» Александра Гладкова. Юная Надюша Дурова равнодушна к
куклам и грезит о военной карьере, но её уже сосватали за поручика Дмитрия
Ржевского и над нею нависает угроза навеки остаться домохозяйкой. На балу в
отцовском доме она решает сблизиться с Ржевским, узнать, что он за человек, и в шутку надевает гусарский
мундир. Вскоре начинается Отечественная война 1812 года и шутка затягивается,
Надюша едет за своим возлюбленным на фронт под видом гусарского корнета.
&nbsp;
«Гусарская баллада», как ни крути, является
важной частью большого русского гусарского мифа, который, в свою очередь,
является одной из самых красивых и привлекательных частей образа Русского
Оружия. Недаром, Козьма Прутков говаривал: «Если хочешь быть красивым – поступи
в гусары». Русское офицерство первой трети XIX века – это «люди эпохи Возрождения».
Они не только владели саблей, но и были не менее искусны во владении пером,
умели петь сложные по нынешним временам романсы, изящно танцовали (простите,
что пишу это слово в устаревшей манере пушкинского времени, бес попутал). И при
этом, отважно рубились с наполеоновскими войсками ещё за десять лет до
вторжения французов на русскую землю. Разумеется, такой богатый субстрат не мог
не породить целую плеяду героев.
&nbsp;

Во-первых, конечно, хочется поаплодировать
Юлии Хрусталевой в образе юной Надюши. Именно фривольность водевиля позволила
артистке смело переходить от классического балета к более модерновому танцу,
тут же с лёгкостью
возвращаясь обратно. Этот смелый и очень хорошо исполненный микс дал образу Надюши
глубину. Хрусталёва замечательно передаёт сплав игривости, некоторой
нахальности, любопытства и, вместе с тем, наивности героини, которая ещё не
совсем рассталась с подростковостью и пока не очень хорошо понимает, как ей
распорядиться расцветающей в ней женственностью. С детства знакомый образ, сыгранный
Голубкиной в рязановском фильме, она расцветила жестом, позой, пантомимой. Она
кажется невыносимо притягательной.&nbsp; 
&nbsp;
Во-вторых, ребята, это масштаб, просто
крышесносный масштаб, когда десятки артистов балета двигаются на сцене как
единый организм. Ты сидишь и думаешь: «а ещё сюрпризы будут?» и в этот момент
начинается стрельба, а когда тебя уже в достаточной мере удивила первая
батальная сцена, в зал стреляют пушки, и они не просто стреляют, они Бабахают! Этот звук
реально вжимает в кресло. А после всего этого на авансцену выходит фельдмаршал
Кутузов и поёт. Ещё раз повторюсь, это жанровое разнообразие, это вкрапление
неожиданных элементов в классический балет делает постановку живой, не
застывшим академическим памятником искусству в себе, а увлекательным,
динамичным, современным зрелищем.
&nbsp;

В спектакле задействовано более 75 артистов
балета, оперы и хора! В пяти партиях зрители увидят солистов оперной труппы.
Более того, вокалистам приходится не только петь, но и участвовать в
хореографических сценах и выполнять трудные поддержки. Порой им даже немного
сочувствуешь, если честно.
&nbsp;
Отдельно отмечу великолепные декорации. Балет
хочется видеть в достойном обрамлении. Я – старовер и всё никак не привыкну к
интерактивному заднику, где, например, гости на балу смотрят фейерверк. Я никак
не перестану удивляться современным технологиям, которые помогают сотворить из
спектакля блокбастер. Ну, и костюмы, конечно: кивера, доломаны и ментики, платья дам – это
восторг, конечно. Пойдёте смотреть «Гусарскую балладу» – захватите с собой
бинокль, там есть, что поразглядывать.
&nbsp;

Конечно, хвалить тех, кто работал над
спектаклем, можно бесконечно. Кубаныч Шамакеев в роли Ржевского завораживает
своим прыжком, обычный человек так прыгать попросту не может. Его партнер по
сцене Эрдэм Очиров в роли Давыда Денисова совершенно ему соответствует. Тут
можно переписать пол-программки и сказать спасибо каждому. Но я просто скажу:
спасибо всем, блестящая работа, смелый жанровый эксперимент, который, не
стесняясь, можно назвать успехом.
&nbsp;
Фото
Андрея Голубева предоставлены пресс-службой Челябинского государственного
театра оперы и балета им. Глинки

В Челябинском государственном театре оперы и балета им. Глинки состоялась премьера: балет-водевиль «Гусарская баллада» поражает масштабом.

Корнет, вы – женщина?!

Выставка предметов из фондов Музеев Московского Кремля
открылась в Государственном историческом музее Южного Урала. Подлинные реликвии
четырёхсотлетней давности, подарки императорам и бытовая утварь дают полную
историческую картину «одомашнивания» чая в российском культурном интерьере.

Генеральный
директор Музеев Московского Кремля РФ Елена Гагарина, открывая выставку,
сказала:

–
Именно для Челябинской области чайная торговля имела важное экономическое
значение в XIX веке, и я надеюсь, что эта выставка будет для современных
южноуральцев такой же приятной радостью, как чаепитие — для наших предков.
Именно челябинцам мы решили показать историю чайных традиций, ведь ваш город
назывался второй чайной столицей&nbsp; не
только потому, что здесь издавна любили и ценили прекрасный китайский чай, но и
потому, что здесь находились таможня и производство по расфасовке импортного
чая, который затем отправлялся по всей России и Европе.

Министр культуры региона Алексей Бетехтин и Елена Гагарина
&nbsp;
Семьдесят
процентов вещей, привезенных в Челябинск в рамках выставки, вообще никогда не
покидали кремлевских запасников и многие их них специально были
отреставрированы для челябинского зрителя.&nbsp;

&nbsp;

Директор Исторического музея
Южного Урала Полина Глинских
&nbsp; 
Директор
Исторического музея Южного Урала Полина Глинских выразила слова благодарности
Елене Гагариной и всему коллективу Музеев Московского Кремля, а также
поблагодарила министерство культуры и правительство Челябинской области за
поддержку этого проекта:
—
Каждая выставка из фондов Музеев Московского Кремля, которую мы с радостью
принимаем в нашем музее, это уникальная коллекция, которая специально для
жителей Южного Урала покидает стены главной сокровищницы России, — уточнила
Полина Глинских. — Ежегодно мы и наши посетители получаем огромные,
непередаваемые впечатления от знакомства с федеральными культурными ценностями,
с достоянием нашего государства. Демонстрировать в регионах такие собрания
чрезвычайно важно и ценно — это не только просвещает всех жителей, но и
развивает культурную среду, в частности, музейное дело. Перенимая практику
коллег из Москвы, мы стараемся передавать этот опыт муниципальным музеям, и в
этом заключается связь столицы и провинции, разных поколений и нашей
многогранной культуры, большой страны и малых городов.
&nbsp; 
&nbsp;

Вице-губернатор Вадим Евдокимов рассматривает одежду Петра II
&nbsp; 
Куратор выставки &nbsp;&nbsp;Екатерина
Когут призналась:–
Тема выставки необычна для Музеев Московского Кремля. Обычно мы не делаем такие
экспозиции. Обычными темами наших выставок являются жизнь царского двора,
дипломатические дары русским императорам, ценная церковная утварь. Эта выставка
носит околобытовой характер и для нас нехарактерна. Наполнение выставки стало
для нас творческим вызовом. Ведь это так интересно: знать, как жили наши
предки. Нам кажется, что чай – это органичная часть русского быта, но ведь это
не так! Это традиция, абсолютно точно привнесённая в нашу жизнь и культуру
извне с XVIII столетия. Показать, как чай из заморской диковины стал
национальным русским напитком, это интересно, и мы постарались это показать на
предметах из собрания нашего музея. В Европе даже есть такое понятие как «русский
чай».


&nbsp; 
Дело
в том, что русский чай, привезённый в Европу сухопутным путём, был намного
вкуснее, чем тот, что привозили морем. Его по-другому сушили. Чай,
приготовленный к морскому путешествию, высушивали куда сильнее и он становился
гораздо менее ароматным. Поэтому европейцы «русский чай» очень ценили. Он
дороже стоил не только из-за издержек, связанных с длинной транспортировкой, но
из-за более густого аромата и насыщенного вкуса.
&nbsp;<s></s> 
Масштаб
чайной торговли можно проследить по представленным на выставке географическим
картам. Директор музея Полина Глинских призналась, что&nbsp; они очень интересны:&nbsp; 
&nbsp;– Возможно, во мне проснулась детская тяга к
картам (смеётся). Географические карты, которые представлены на выставке, лично
меня захватывают. Посмотреть, как эволюционировали границы, оценить утончённую
графику – это очень ценно.

Первый
чай нам подарили хотогойты, ойратские племена, живущие в центральной Монголии.
Двести бумажных пакетов чая, привезённые ко двору царя Михаила Фёдоровича в
1638 году боярским сыном Василием Старковым, весили порядка четырёх пудов (46
кг – авт.) и стоили как сотня соболиных шкурок.

Вообще,
чай был очень дорогим продуктом. Сохранились прейскуранты чайных магазинов XIX
века, там предлагали – как и сейчас – очень широкий спектр сортов. Заметьте,
дешевые продукты не фальсифицируют, а поддельный чай в те годы был в России
очень распространён. Нормальный чай разбавляли спитым, добавляли туда различные
травы и так далее. Этот бизнес процветал, поскольку помимо вполне бюджетных
чаёв, в Россию ввозили и очень дорогие сорта чая. 
&nbsp; 
Психологически
мы привыкли к тому, что обычный русский чай – чёрный. Тот чай, который мы
сейчас считаем классическим, привозили из Индии, где он появился во второй
половине XIX века. Китайцы называют его «красным». До этого русские пили
зелёный чай и чисто психологически представить себе классического купца с
окладистой бородой, который попивает из самовара зелёный чай, очень сложно. Тем
не менее, русское чаепитие начала XIX века было именно таким.

Размер
русской чайной чашки постоянно рос. Изначально она была маленькой, как у
китайцев. На выставке представлен фарфоровый сервиз XVIII века и можно
заметить, что его чашечки подобны кофейным. Но чашки для чаепития постепенно
увеличивались и ко второй половине XIX века сформировалась привычная нам
пропорция. На выставке, например, есть чашка объёмом 400 мл. Она не сервизная и
предназначена для индивидуального чаепития, а не для приёма гостей.
&nbsp;
Самовар
был в каждой русской семье. Существует даже устойчивое понятие – «самоварная
пара». Это, собственно, самовар и чайничек, который ставится на него сверху.
Последнее, с чем расставались в случае денежной беды, так это с самоваром.
Однако, обычному крестьянину чай был доступен только по большим праздникам.
Простые люди в быту пили напитки попроще: сбитень, квас, иван-чай или травяные
сборы. Настоящий чай в повседневной жизни мог себе позволить, например,
представитель купеческого сословия.
&nbsp;
Чай с
сахаром вприкуску в русском климате – лучший способ согреться и получить
быстрые углеводы, особенно в холодную зиму. Кроме того, чай всегда пили с
молоком, поскольку оно давало дополнительные калории. Практически в каждом
сервизе мы видим молочник либо сливочник. Моду на «чистый» чай ввели гурманы в
середине XIX века, для которых такое чаепитие было не только приятным
времяпрепровождением, но и способом подчеркнуть свой статус и показать достаток.<s></s>

– На
выставке можно заметить, что многие чайники, молочники, сахарницы и другие
предметы сделаны из серебра и среди них мало чашек. Фарфор хрупок и чашки часто
бились. А вот серебряная утварь с золочёной внутренней частью хорошо сохранилась
в императорских сервизных кладовых, откуда и попала в Музеи Московского Кремля,
– рассказывает Екатерина Когут.
&nbsp; 
Русское
чаепитие было сложным ритуалом, что можно проследить по таким исчезнувшим из
нашего быта вещам, как, например, специальная вилочка для лимона. Или
бисквитница, которая сохраняла поданный к чаю бисквит тёплым. Или похожая на
изящную модель самовара, бульотка, в которой вода была всегда горячей за счёт
спиртовой горелки, вставленной в основание.
&nbsp; 
Нам
легко думать, что большевики, затевая массированную антиалкогольную пропаганду,
пытались заменить водку чаем. Но, нет, это не их идея. Этот процесс начался ещё
до революции. Император дал чайным ощутимые налоговые льготы, там разрешалось
собираться для совместного чтения, в общем, царские власти делали всё, чтобы
люди начали ходить в чайные, а не по кабакам. Этот процесс начался ещё в конце
XIX века, а к Первой Мировой, когда в Империи был введен сухой закон, чай стал
главным русским напитком. И бойцам в окопах выдавался чайный паёк.
&nbsp; 
Эстетика
и культура императорской России после 1917 года, естественно, претерпели
значительные изменения, однако культура чаепития не только выжила, но и заново
расцвела.
&nbsp; 
Роберт
Робинсон, чёрный американский специалист, приехавший в СССР в 1930 году и
оставивший заметки о повседневном быте советских граждан, с нескрываемым
удивлением описывает традицию чаепития. Его поразило не только то, что русские
пили чай вприкуску, но и то количество, которое они выпивали за вечер.
&nbsp; 
Когда
Робинсон впервые пришёл в гости к заводскому переводчику (в эпоху
индустриализации советские предприятия нанимали множество специалистов из-за
рубежа), то сначала не понял, зачем тот вешает на шею полотенце. «Я сбился со
счета и не мог сказать, сколько стаканов чая он поглотил за последние три часа,
но уж во всяком случае не меньше пятнадцати», – вспоминает мемуарист. Полотенце
можно было выжимать уже после третьего.
&nbsp; 
Разумеется,
экспозиция предлагает ознакомиться и с интересными образцами чайной утвари
советского периода. Таким образом, посетитель может проследить всю эволюцию
русского чаепития с момента открытия чая Московией и до наших дней. Но на этой
выставке традиция сотрудничества Музеев Московского Кремля с нашим музеем не
прервётся. 
&nbsp; 
–
Планируется подписание очередного соглашения между правительством области и
Государственным историко-культурным музеем-заповедником «Московский Кремль».
Уже есть три предложения со стороны федеральных коллег, которые мы надеемся
реализовать в 2025-27 годах, – делится Полина Глинских. – Пока не могу раскрыть
все карты, но запланированные проекты будут ещё ярче и уникальнее, потому что
такие предметы никогда не демонстрировались в Челябинске ранее.
&nbsp; 
Выставка
«Четыре столетия русского чая. Великий дар Поднебесной» открыта для посещения в
Большом зале Исторического музея Южного Урала. Работа экспозиции продлится до 2
февраля 2025 года.
&nbsp; 
Фото предоставлены пресс-службой
Государственного исторического музея Южного Урала. 
&nbsp;

Выставка предметов из фондов Музеев Московского Кремля открылась в Государственном историческом музее Южного Урала. Подлинные реликвии четырёхсотлетней давности, подарки императорам и бытовая утварь дают полную историческую картину «одомашнивания» чая в российском культурном интерьере.

«Четыре столетия русского чая. Великий дар Поднебесной»

Челябинский государственный
академический драматический театр им.Н.Орлова открыл свои двери после
двухлетнего ремонта. Новый театральный сезон в драме начался с премьеры
шекспировского «Короля Лира».&nbsp;

Король Лир (народный
артист РФ Борис Петров)
&nbsp;
Первое, о чем думаешь, входя
в обновлённое фойе драмы: «Господи, как же я соскучился за эти бесконечные два
года ремонта!». Здесь стало гораздо уютнее, больше пространства, больше света,
больше воздуха, мрамор отмыли и он выглядит как новенький. Вообще всё выглядит
отмытым, как яхта хорошо отдраенная по морскому закону: «всё, что может
блестеть — должно блестеть». Ну, и новые кресла в зрительном зале, конечно.
Дамы, усаживающиеся в ряду повыше, шепчутся: «Ты посмотри, какие кресла!». И
действительно, старые кресла в драме были притчей во языцех – красивые, но,
мягко говоря, не эргономичные. Вы, конечно, скажете, что кресла в театре не
главное. Ха! «Король Лир» идет три часа с хвостиком и к концу спектакля
начинаешь очень даже ценить новую мебель. 
&nbsp;

Граф Кент (Владислав Коченда) и граф
Глостер (заслуженный артист Татарстана Владимир Зайцев)
&nbsp;
Итак, Лир. Насмотревшись на
минимализм малых сцен, первым делом радуешься подавляющему масштабу декораций.
Да, таким и должен быть «большой императорский театр». Величественным.
Соответствующим Шекспиру. Лауреат «Золотой Маски» Екатерина Половцева не стесняла
себя в фантазии и поставила для челябинского зрителя такое шоу, какое
сложно&nbsp; представить на провинциальной
сцене. И новый поворотный механизм показал себя во всей красе, и освещение, и
звук, и декорации и всё остальное. Всё крутится, поднимается, меняется местами,
черти лезут из преисподней через люки в обновлённой сцене в алых лучах софитов,
это действительно круто. 
&nbsp;
Позволю себе ремарку. Если
про «Дом Бернарды Альбы» можно было сразу сказать, что такой спектакль не
стыдно повезти на любую сцену мира, хоть в Лондон, хоть в Токио, то с «Королём
Лиром» иначе. Далеко не каждый театр настолько оснащён, чтобы показать у себя
нашего «Лира» без потери качества. Скорее, можно говорить о том, что наш «Лир»
стоит того, чтобы приехать посмотреть на него из любой столицы. Про этот
спектакль хочется сказать жеманным голосом московского телестилиста: «девочки,
это бомбяо!». Потому что это о-о-очень костюмно. И, кстати, я вообще не помню,
когда последний раз видел на сцене сцену поединка с бутафорской кровью.
&nbsp;

Декорации в спектакле
разнообразны и масштабны
&nbsp;
Чего не ожидаешь, от
достаточно консервативного в хорошем смысле слова, драматического театра, так
это того, что когда поднимается занавес, нам открывается вид на вполне
современную&nbsp; квартиру с английскими
обоями, где стены увешаны черно-белыми фотографиями. И Лир (Борис Петров)—
старик в пижаме неуловимо-больничного вида сидит в продавленной кровати. Он
никакой не король. Просто умирающий в своей постели старец. Парой реплик нам
объясняют, что он был великим актером. К нему в сознание приходит жутковатого вида
шут (Николай Осминов), который пробуждает в старике воспоминание об истории
короля и его дочерей. 
&nbsp;
Критики спектакля говорят,
что такой приём не нов. Что трагическая история Лира уже кем-то была
рассказана, как череда галлюцинаций. Скажу грубо: это, разумеется, полная
ерунда. Если приём работает, то совершенно плевать, нов он или не нов.
Разумеется, пунктиром наше сознание отмечает, что мы наблюдаем две параллельные
реальности. Но когда действие достигает точки накала, мы полностью
сосредоточены на Лире и его злоключениях. И в сцене, когда он, практически
обезумев, вдруг узнаёт свою младшую дочь, обиженную им когда-то Корделию… На
сцене вдруг появляется врач. В халате. В шапочке. Обычный современный врач. И
это вторжение «реальной реальности» в фантазии «Лира» просто расфигачивает в
щепки, в слюни, просто растаращивает зрителя так, что от слёз удержаться
невозможно. Полуслепого галлюцинирующего старика, стоящего на краю смерти,
становится так невозможно жаль, что я буквально слышал как по всему ряду, на
котором я сидел, захлюпали носы. В этой сцене есть ещё одно великолепное
режиссёрское решение, но я не буду о нём рассказывать, и без того много
наспойлил. 
&nbsp;

Корделия (Дарья Сысоева)
утешает отца 
&nbsp; 
Вообще, эта дивная череда
красочных галлюцинаций и быта абсолютно прекрасна. Изгнанный Лиром граф Кент
приходит в алкоголичке, трениках и кедах к измученному сенильными недугами
Лиру. Это так мило. Когда Лир спрашивает себя: «Кто это — я? Или не я?». Такое
ощущение, что и стоящий рядом шут, и находящаяся тут же старшая дочь, это его
фантазии. И только Кент в трениках абсолютно реален. 
&nbsp; 
Ну, и, конечно, убийственная
точность Шекспира, раскрывающая людскую природу. Когда старшие дочери Лира –
Гонерилья и Регана – пытаются перещеголять друг друга в льстивости, Корделия
тут же даёт этому балагану обескураживающую оценку: «Выходишь замуж, так не
надо клясться, что будешь одного отца любить». Я вдруг понял, что даже забыл,
насколько хороша пьеса. Впрочем, сюжет известен и я не буду его пересказывать.
Великая драма там, где каждый имеет свою правду. И нынешняя версия Лира — как
раз показывает этот жёсткий замес. И шекспировские типажи так узнаваемы, словно
из соседнего двора вышли.
&nbsp; 
Об актёрах. Ну, разумеется,
все говорят про Петрова, про то, что это супермастерская работа, что он
развернул всю свою актёрскую палитру… Ну, да. Но Борис Николаевич – народный
артист России, на секундочку. Он просто не умеет плохо. Лир – это абсолютно его
роль и о нём как бы бессмысленно говорить. На него надо идти и смотреть, хоть в
этой роли, хоть в любой другой. 
&nbsp;

Эдмунд (Дмитрий Олейников)
&nbsp;
Для меня яркими работами
стали Эдмунд, бастард графа Глостера в исполнении Дмитрия Олейникова и шут в
исполнении Николая Осминова.&nbsp; Шут
великолепен своей пластичностью, он настоящий скоморох, который первым из
актеров вызвал своим юродством аплодисменты публики.&nbsp; Дима Олейников очень хорош в роли ушлого
бастарда. Он то угодлив, то жесток. Да и братец его инфантильный хорош (Эдгар,
актер Михаил Зузнев). Совсем дебил поначалу, что только обнажает контраст между
братьями. Местами, в спектакле действительно многое очень смешно,&nbsp; но на фоне этих комически решённых сцен,
монологи безумного Лира и история сумасшествия Эдгара выглядят просто
душераздирающе. 
&nbsp;
А ещё надо знать Колю
Осминова и Диму Олейникова. Дима он, как бы сказали на улице, всё время чё-то
кубаторит. Дима – это всегда много мыслей, это всегда поиск смыслов, поиск
чего-то более и более глубинного. Он как геолог, забуривающийся в душу всё глубже
и глубже, в попытках отыскать там золото или, чем чёрт не шутит, древнее зло,
Балрога. Поэтому все личины Эдмунда так легко из него выскакивают. Он
совершенно органичен и в наигранной наивности и в вульгарной сексуальности.
Смотришь на него и думаешь: он реально родился для роли двуличного бастарда
Глостера!
&nbsp;

Шут (артист Николай
Осминов)
&nbsp;
А Коля Осминов – он про
тело, он очень телесный артист. Для него пантомима так же естественна, как для
иных людей жестикуляция. Он когда что-то показывает, из него выглядывает
внутренний ребёночек, корчит рожицу и тут же отыгрывает эмоцию телом. Поэтому Коля
просто идеальный юродивый. Юродивый же ребёнок по своей глубинной сути, отсюда
он и режет правду матку в лицо королю: «Не старься раньше времени! Не старься,
пока мудрости не нажил». 
&nbsp;
Ну и пару слов о старших
дочерях Лира. Они в этой постановке настолько нарочиты, что напоминают рыночный
театр Панча и Джуди, но это разбавляет накал трагедии и отлично сделано.
Подводя итог своему длинному восторженному спичу, скажу, что я не увидел в постановке
слабых ролей. Прекрасная музыка Сергея Филиппова, роскошная работа со светом
Алексея Крючкова, невероятные фантасмагорические декорации Алексея Вотякова и
хореография Марии Грейф (я её ещё по «Бернарде Альбе» запомнил) превратили
пьесу Шекспира в шоу, которое надолго запомнится зрителю. Уверен, спектакль
настоится, все шестерёночки притрутся и он будет катиться по театральной жизни
долгие годы. Он этого достоин. Прекрасное открытие нового сезона и новой жизни
театра в возрождённом зале.
&nbsp;
Кстати, как поговаривают в
кулуарах, в день сдачи спектакля одному из архитекторов драмтеатра исполнилось
бы восемьдесят пять лет. И то, что при реставрации театра к замыслу всей
архитектурной группы отнеслись очень бережно – большой подарок его памяти.
&nbsp;
Фото Людмилы Ковалёвой
и Антона Марьинских предоставлены пресс-службой Челябинского государственного
академического театра драмы им. Н.Орлова

Челябинский государственный академический драматический театр им.Н.Орлова открыл свои двери после двухлетнего ремонта. Новый театральный сезон в драме начался с премьеры шекспировского «Короля Лира».  

Король Лир

Талантливый человек талантлив во всём. Хорошее утверждение,
но есть одно серьёзное ограничение. К таланту обязательно должно прилагаться
упорство, умение трудиться, стремление постоянно совершенствоваться. Иначе
можно очень талантливо лежать всю жизнь на диване.
Талант, упорство, вдохновение, мудрость, целеустремленность,
энергия, тонкий вкус, изящество – всё это про нашу сегодняшнюю героиню. Балерина,
исполнитель ведущих партий Челябинского государственного академического театра
оперы и балета им. М.И. Глинки Екатерина Хомкина-Сафронова. В числе первых
Екатерина удостоилась звания заслуженный артист Челябинской области. В
послужном списке Екатерины более тридцати наименований серьезных партий,
участие во многих международных проектах, гастроли по странам Востока и Европы,
изрядное количество наград и прочих достижений.
- Что для вас новое звание?
- Для меня это звание очень много значит. Я никогда не думала,
что в моей жизни такое событие может случиться. Когда ты начинаешь карьеру с
хореографического училища ты не думаешь о каких-то званиях и наградах. Потом
поступаешь в театр, проходишь все ступеньки роста танцовщика и уже в статусе
ведущей балерины вдруг получаешь звание заслуженного артиста. Это как знак
качества профессиональной карьеры, высшая оценка труда. Я довольна, что
получила звание в Челябинской области. БОльшая часть моей карьеры, все значимые
партии случились на сцене челябинского театра. Поэтому вдвойне приятно получить
такую высокую оценку здесь, где меня все знают. Считаю, что появление нового
звания даст дополнительный стимул развития творческим людям. Приятно сознавать,
что теперь мои театральные коллеги смогут получить звание заслуженного артиста
Челябинской области. Поддержка так важна для творческого человека!

- Вы ходите в другие театры? На концерты?
- Это сложный вопрос! Понимаете, у нас с другими театрами
рабочее время совпадает практически полностью. У нас или спектакль или вечерняя
репетиция. А в это же время другие театры выпускают премьеры, идут репертуарные
спектакли. Конечно, мне было бы интересно посмотреть, чем занимаются коллеги.
Но очень сложно вырваться. Артист только на больничном или в отпуске может
попасть в театр как зритель. Но на больничном обычно гулять не можешь, а летом
отпуск не только в нашем театре. Изредка получается попасть на концерты в
филармонию.
- Отпуск у артистов балета дольше, чем у остальных
профессий? На пенсию-то вы уходите раньше.
- Нет, пенсия и отпуск никак не связаны. Отпуск у нас как
у всех, двадцать восемь рабочих дней. Плюс конечно, что он всегда случается
летом, когда в театре перерыв перед началом нового сезона. Стараемся уехать
путешествовать, сменить обстановку, посмотреть новые места. В другое время года
не можем себе позволить уехать надолго, очень плотный график репетиций и
спектаклей.

- Но для артиста много работы – это же хорошо?
- Для артиста хорошо, когда много разнообразной работы.
Представьте, если бы в театре шли четыре-пять названий балетов. Это было бы печально
и для публики, и для танцовщиков. Но наш театр самый лучший! Здесь созданы все
условия для профессионального роста и развития артистов. У нас ежегодно
выпускаются премьеры, приезжают разные постановщики, у нас богатый репертуар спектаклей.
Зайдите на сайт нашего театра, и вы увидите, что у нас в репертуаре почти
двадцать балетов. Не каждый театр может похвастаться таким разнообразием.
- Какая хореография ближе: классика или современность?
- Для любого выпускника хореографического училища
классика понятнее и любая классическая партия проще в освоении. Тело уже знает,
как двигаться, позиции отработаны годами. Современная хореография совсем иное
дело. Зачастую задействуются такие группы мышц, о которых ты и не подозревал.
Благодаря руководству нашего театра, в Челябинск приезжают работать очень
разные по стилю балетмейстеры-постановщики. В прошлом году у нас состоялась
премьера классической «Раймонды», а в нынешнем уже «Мата Хари» в авторской хореографии
Надежды Калининой. И каждый из балетов по-своему хорош, каждый интересен.

- Какой стиль визуально привлекательнее?
- Классический балет имеет свою уникальную красоту и
элегантность, которая притягивает зрителей. Он увлекает своими изящными движениями
и красивой музыкой, создавая неповторимую атмосферу на сцене. Современная
хореография, в свою очередь, более экспериментальна и инновационна. Она может
быть дерзкой, эмоциональной и неожиданной, что делает ее увлекательной и
захватывающей для зрителей. Каждый стиль имеет свои преимущества и возможности
для самореализации хореографа и танцовщика.
- Что посоветуете зрителям?
- Тем, кто никогда не бывал на балете, желательно начать
с ярких сюжетных постановок. Часто у людей складывается какое-то неправильное представление
о балете. Они думают, что балет – это только «Лебединое озеро» и всё. Но целый
мир существует на подмостках театра! «Бесприданница», «Анна Каренина», «Анюта»,
«Дон Кихот», «Мата Хари» - это прежде всего история, сюжет, рассказанный языком
танца. И языком понятным широкому кругу зрителей. Добавьте к этому шикарные
костюмы, эффектные декорации, выразительный свет, пронзительную музыку в
исполнении симфонического оркестра! Перед вами откроется поразительный мир
современного театра.

- Расскажите, как вы выбрали танец? Как попали в
профессию?
- В детстве мама отвела меня в танцевальный кружок, о
большой карьере не думали тогда. Но после 4 класса мою подругу Машу повели на
просмотр в хореографическое училище. И мне тоже предложили сходить. Дальше
история как в кино: Машу, к сожалению, не взяли, а меня пригласили на
вступительные экзамены. Все три тура прошла успешно, и осенью приступила к занятиям.
Учеба в училище не стала спокойной тихой заводью, сложности какие-то постоянно
происходили: педагоги менялись, травмы в ответственный момент случались.
- Судя по тому, что мы сейчас беседуем в театре,
получилось все преодолеть?
- Да (смеется Екатерина)! Окончила
хореографическое училище и меня приняли в главный театр республики Казахстан -
национальный театр оперы и балета имени Абая. За пять лет в театре я прошла все
ступени – от артистки кордебалета до ведущей солистки. Первой большой ролью
стала Повелительница Дриад в «Дон Кихоте» и потом пошло-поехало. Сейчас немного
скучаю по балету «Бахчисарайский фонтан», который танцевала в алматинском
театре. Кстати, там же, в Алма-Ате довелось поработать с великим хореографом
Юрием Григоровичем, он ставил там спектакль. Работа с ним – это серьезное
испытание, но и хороший урок на всю жизнь.

- Вы уже пятнадцать лет в труппе театра, живёте в
Челябинске. Какими были первые ощущения от приезда в город?
- Да, верно, в 2009 году мы с мужем приехали жить и
работать в Челябинск (Алексей Сафронов, исполнитель ведущих балетных партий
ЧГАТОБ им. Глинки, заслуженный работник культуры Челябинской области – прим.
авт.). Нас пригласил Константин Уральский, который в то время был
художественным руководителем балетной труппы театра. Первые два года в
Челябинске дались мне очень тяжело, слишком кардинально изменилась жизнь. Мы
жили в Алма-Ате, я танцевала ведущие партии в главном театре, у нас был налажен
быт, рядом были друзья, родные. А в Челябинске мы почти никого не знали, жили
на съёмной квартире. И сам город в первую встречу меня немного испугал. Мы
приехали в ноябре, город был такой холодный, серый, хмурый. Я думала: «Боже,
куда мы едем!» Но труппа театра приняла очень тепло, душевно, постепенно мы
подружились со всеми. После двух лет работы я окончательно осознала, насколько
правильным стал наш выбор.

- Сейчас ситуация с городом изменилась? Как оцениваете?
- О, да! Столько положительных изменений в городе!
Особенно за последние несколько лет. Город преобразился, стал по-настоящему
красивым. Здесь приятно жить, работать и отдыхать. Когда к нам приезжают
друзья, мы ведем их на прогулку по городу, приходят в восторг! Даже начинают
нам завидовать. В Челябинске есть и парки, и скверы, фонтаны, интересные
арт-объекты, зоны отдыха, спортивные площадки, кафе на любой вкус.
- Театр друзьям показываете?
- Обязательно! Честно говоря, я сама испытала культурный
шок, когда первый раз увидела здание челябинского театра оперы и балета. Это же
настоящий дворец! Я была поражена тем, настолько это огромный, колоссальный,
шикарный театр. На уровне столичных и даже лучше!

- &nbsp;Думаю нет смысла
спрашивать поддерживает ли вас семья? Ваш супруг тоже работает в театре,
доченька пошла по вашим стопам.
- Да, мы живём театром, хореографией. Алексей исполняет
ведущие партии в нашей труппе. Часто мы вместе в одном спектакле работаем на
сцене как партнёры. Наша дочь уже подросла, после четвертого класса
общеобразовательной школы мы поехали поступать в Академию русского балета им.
А.Я. Вагановой. Теперь наша девочка учится в Санкт-Петербурге. Очень по ней
скучаем, стараемся почаще созваниваться, встречаться при каждом удобном случае.
Скажу по секрету, что после училища она хотела бы работать в нашем театре оперы
и балета.
- Министерству культуры в нынешнем году исполнилось
двадцать лет. Что можете пожелать?
- Пусть коллеги продолжают свой творческий рост и
поддерживают культуру в нашем регионе. Потому что именно от них очень многое
зависит. Вдохновения им и сил. И терпения. Очень сложная задача перед ними
стоит.
&nbsp;
Фото Людмилы Ковалёвой
&nbsp;

Талантливый человек талантлив во всём. Хорошее утверждение, но есть одно серьёзное ограничение. К таланту обязательно должно прилагаться упорство, умение трудиться, стремление постоянно совершенствоваться. Иначе можно очень талантливо лежать всю жизнь на диване.

Искусство самовыражения

#РыжийФест,
недавно собравший тысячи любителей чтения в Челябинске, порадовал южноуральцев
не только изобилием новых книг. Целая когорта писателей первой величины
посетила фестиваль, чтобы пообщаться с читателями. Мы поговорили с одним из
самых значительных российских писателей нашего времени, дважды лауреатом премии
«Большая книга» Шамилем Идиатуллиным.

Шамиль Идиатуллин
– Я прочел вашу последнюю
«большую повесть» под названием «Бояться поздно».&nbsp;Повествование в книге
ведётся от первого лица, от лица девушки, и у меня вопрос: трудно было писать
за 22-летнюю невротичную девочку? 
– С одной стороны, конечно, трудно. С другой
стороны, мне было за кем подглядывать, поэтому это вопрос техники и любви.
Писать за 22-летнюю девочку не труднее, чем за сорокалетнюю женщину или
шестидесятилетнего дяденьку, или за семилетнего мерина Холстомера. Эта
писательская задача не проще, но и не сложнее любой другой писательской
задачи.&nbsp;
– Быстро написали?
– Дольше, чем ожидал. Я исходил из того, что это
будет действительно небольшая повесть. Но она получилась раза в полтора больше
и гораздо жёстче. Сюжет родился давно, еще в 18-м году, реалии были другими и
криминальный движок, который тогда задумывался, был другим. Со временем текст
пришлось актуализировать, да и криминальный слой сюжета хотелось сделать
нетривиальным. Много времени отняло придумывание загадок, которые разгадывают
главные герои. Это совершенно необязательный бантик, который никак не пригодился
сюжету, но я убил на него несколько недель, потому что мне хотелось по-честному
показать, чем занимается группа, к которой принадлежат главные герои. Это
слегка удлинило работу над текстом, который должен был быть гораздо проще и
легкомысленнее.
– В повести много
молодёжного сленга, а со сленгом всегда тяжело работать, потому что он быстро
устаревает. Как вы работали с этим? 
– Я всегда пишу, пытаясь воспроизвести манеру
разговора и лексический корпус людей, о которых пишу. Слесаря должны говорить
"по-слесариному", менты – по-ментовски, журналисты – по-журналистски,
а геймеры – по-геймерски. Конечно, это всё имитация, поскольку я не мент и не
геймер. В силу этого, в тексте всё время вылезает автор – мужик средних лет со
своими любимыми словечками. 
– И как вы боретесь с этим
мужиком?
– Кое-что я на ходу вычищаю, кое-что не
получается, но именно для этого служат бета-ридеры (люди, тестирующие текст на читабельность – прим. авт.). В этом
качестве я смело привлек в этот раз своих детей и невестку. Они сказали, как и
что сейчас говорит современная молодёжь и в каком контексте. Так что за сленг я
спокоен и претензий не принимаю (смеётся).
По поводу всего остального косяки можно, наверное, найти.&nbsp; 
– С кем конкурирует
сегодняшний отечественный писатель?
– Он не конкурирует с западными авторами, с
классикой, с новостными лентами. Он живёт в условиях, когда совершенно
неочевидно, почему взрослый человек должен читать художественные книжки. Тем
более, современные, тем более, написанные соотечественником, тем более, находящимся
внутри страны.
– Да, звучит как-то
немодненько.
– Да. Последние лет двадцать-тридцать был целый
слой авторов, который находился под гнётом недобросовестной конкуренции. Это
детские авторы. С одной стороны, их поджимала советская классика: зачем мне
покупать Эдуарда Веркина или Светлану Лаврову, если я люблю Крапивина, Гайдара
и Рыбакова. С другой стороны, они конкурировали с западными коллегами. Ещё не
было понимания, что на русском языке или на языке народов России пишутся очень
важные вещи про нас, здесь и сейчас.

– Какова была ситуация в
российском книгоиздательстве тогда?
– Издатель, относившийся к книгоиздательству, как
к чистому бизнесу, без какой-либо гуманитарной или художественной составляющей,
понимал, что ему нужно издать какое-то количество книжек, и продать их с
максимальной рентабельностью. Ответ был безошибочным: с отечественным автором
не связывайся. Сначала ты должен его найти, платить ему пусть и мизерные, но
деньги, вкладываться его раскрутку, придумывать картинки, привлекать художника.
Куча геморроя при полном понимании, что первые книги первых десяти авторов
мало, кто купит. 
– И тогда они пошли на
Запад?
– Там книги не только раскрученные, но и
отобранные. Например, о том, что вышла книжка на голландском языке, ты узнавал,
поскольку ее перевели еще и на английский. А раз её перевели, значит, она
чего-то стоит. Так тебе ещё поможет её&nbsp;
издать грант института Гёте, или другого гуманитарного органа той или
иной страны. И если посмотреть на самые красивые детские книжки нулевых –
первой половины десятых, в переводных изданиях практически везде было указано:
издано при помощи такого-то органа такой-то страны. 
– То есть, издатель вообще
ничего не тратил?
– Он получал готового автора, готовый макет,
перевод ему оплачивал иностранный партнёр и книжка выходила с обалденными
картинками, с очень хорошим текстом. Вот только одна загвоздка: эта книжка не
про нас. Она про заграницу. Гарри Поттер спас чтение во всём мире. Если бы не
Роулинг, нынешние сорокалетние наверняка перестали бы читать, потому что они
поняли, что есть видеоигры, есть сериалы, интернет, чатики и всё это куда
интереснее, чем трудноусваиваемый продукт, через который надо продираться. Еще
и книжки толстые. Гарри Поттер спас чтение. Но Гарри Поттер любит пудинг. Ни
один отечественный подросток не любит пудинг, он любит семечки или чипсы. Гарри
Поттер – совершенно другой герой. Он шикарный спаситель всего, но нужна
всё-таки местная специфика. И издатели, поиздавав западные книги с огромной
маржой, в этом убедились. Надо работать с отечественной литературой. 
– И как изменился книжный
бизнес?
– Дальше случились два счастья. Огромное счастье,
что отечественная подростковая литература к тому времени ещё не вымерла. Её и
дустом пробовали, и мухобойкой. Писатели нанимались на любую работу, но
продолжали писать. С другой стороны, были институты, которые их поддерживали,
типа конкурса «Книгуру», конкурса им. Крапивина в Екатеринбурге и так далее.
«Зверский детектив» Анны Старобинец – мегахит, и Нину Дашевскую знают все, и
Веркин уже котируется как и взрослый автор, и Светлана Лаврова вполне себе издаётся.
Детские авторы стали коммерчески успешными и, самое главное, люди их читают.

– А взрослые?
– Со взрослой литературой ситуация пока несколько
иная. Есть люди, читающие отечественную прозу, их не то, чтобы очень много.
Когда человек говорит, что лучше почитает произведения классиков или западных
авторов, в девяноста процентах случаев это означает, что он не читает ничего
вообще. Тот, кто хочет читать и понимать, что происходит с ним, как с
человеком, как с частью семьи, как с частью общества – поскольку он живет
здесь, в нашем обществе – должен читать современную отечественную литературу.
Пока люди не начнут читать, они не начнут читать отечественную прозу. Когда они
всё-таки поймут, что без этого не обойтись, они возьмутся и за своих
современников, пишущих на их языке.&nbsp;
– Вы ходите на работу, у вас
двое детей, как вы успеваете писать?
– Не знаю (смеётся). Ночами, в выходные, в
новогодние каникулы, в праздники. У меня выработался специальный подход к
творческому графику. Я начинаю книжку поздней осенью, чтобы ближе к середине
[истории] оказаться на стадии новогодних каникул, когда все будут есть салаты,
бухать и ездить на шашлыки. В это время я буду писать большую часть середины и
дальше уже будет проще закончить текст «с горки» и можно будет совсем близко
подойти к финалу. 
– Вы жёстко редактируете
собственные тексты или у вас сразу всё получается?
– Итоговый чистовик отличается от черновика не
очень сильно. Убираю повторы и лишние куски. Иногда бета-ридеры подсказывают,
что какой-то кусочек непонятен и его надо разжевать. Я всё-таки исхожу из того,
что хорошая литература – это продукт, который узнаётся с первого предложения.
Абзац Набокова невозможно спутать ни с чьим другим абзацем. Как и абзац Чехова,
абзац Конецкого, абзац&nbsp; Стругацких и
прочих. Я люблю таких авторов и пытаюсь писать именно так. Поэтому мой текст
может быть ершистым, корявым, с заусенцами, но он специально так сделан, потому
что мне, как читателю, близок именно такой текст. 
– «Убыр» у вас совершенно не
корявый. В текст погружаешься словно в тёплое море. 
– Столько, сколько за «Убыра», мне не прилетало
критики по части стиля ни за один другой текст.
– Давайте, я сейчас, как
джедай сделаю магический жест рукой и вы забудете критиков "Убыра"?
– Нет, это тоже полезно. Всякий опыт полезен. Мне
повезло: я начал писать довольно взрослым человеком и научился не закладываться
на успех и не оглядываться на неуспех. 
– Меня бес попутал заглянуть
в несколько писательских форумов, передо мной открылся портал в ад. Какие-то
нафталиновые люди что-то говорят на советском. Складывается ощущение, что
сегодняшний литературный мир – очень маленький. Насколько он москвацентричный? 
– Литература сегодня очень столицецентрична, это
факт. В регионах живет гораздо меньше пишущих людей. Они есть, но их не очень
много. Региональные издательства можно перечесть по пальцам. В советские
времена их было очень много, целая сеть, они опирались на региональных авторов.
Сейчас этого нет. Это плохо. Плохо и то, что до читателя не доходит книга в её
классическом, бумажном виде. Если она издаётся тиражом полторы-две тысячи
экземпляров, то даже по авторизованной сети "Читай-город", которая
принадлежит АСТ-ЭКСМО, в каждый город придет единичное количество экземпляров.
В миллионном Челябинске, я уж не говорю про Владивосток, её&nbsp;смогут купить
два-три человека. Этого даже для книжного клуба не хватит, чтобы её обсудить. С
другой стороны, многие тиражи в полторы-две тысячи книг попросту не
распродаются: то ли не нашли своего читателя, то ли не нужны аудитории. 
– Звучит не особенно оптимистично.
– Ситуация странная и так себе работающая, это
факт. Другой факт: несмотря на то, что какие-то издательства закрываются, их
становится всё больше, каждый год появляются новые книжные серии, новые авторы,
у которых появляется большое число читателей. Некоторые из них, конечно,
являются проектами. Некоторые – нет. Популярность, которую получили книги Лии
Арден из серии "Мара и Морок", издающиеся стотысячными тиражами, не
снилась абсолютному большинству авторов, считающих себя живыми классиками. Это
нормально, это признак живой литературной жизни.

Яна Вагнер и Шамиль Идиатуллин
– Как-то модная московская
редакторка, поглядев на мой роман, спросила: "А можешь пятнадцать романов
на эту тему написать"?
– То, что некоторые издатели мыслят книжными
сериями, думают только о коммерческом успехе, о пятнадцати книжках подряд – это
вещь понятная. Они так привыкли. Но это феномен вчерашнего дня. Сегодня многие
издательства уходят от серий. Раньше даже постоянный автор приходил к издателю
с новой книгой и тот думал, в какую серию её поставить. Если же приходил автор
со стороны, то часто мог услышать, что книга хорошая, но ни в какую серию не
подходит. Сегодня ситуация изменилась. Сейчас каждая новая книжка имеет самоценность,
это продукт в себе. Под напором внешних обстоятельств индустрия меняется.
Меняется активный читатель, появляются новые игроки в виде книжных клубов,
сообществ, видеоблогеров. И тут впору говорить о том, что рулят уже не
нафталиновые авторы из 84-го года, а скорее, авторы из "китайских"
литературных сообществ, которые фигачат в интернете книжки с продолжениями. Они
не так заметны, но гораздо более платёжеспособны и более живы. 
– А, это знаменитые
подростковые фэнтези в азиатском сеттинге с бесконечным продолжением? 
– Да, "Автортудей", "Литмир"
и прочие, о которых мы мало знаем, но когда они прорываются в бумагу, как Лия
Арден, это нас изумляет. Но это факт, который, сам по себе, очень хорош. Чем бы
дитя не тешилось, лишь бы ни тупым и тяжёлым предметом. Если человек прочитал
книгу, которая сегодня представляется нам недостойной, глупой, примитивной,
порнографической или ещё какой-то, и мы её запретим, что из этого последует?
Что другой книги читать человек уже не будет, тем более, подросток. Если же он
прочтёт эту недостойную, глупую, примитивную и&nbsp; порнографическую книгу, то
он, скорее всего, прочтёт и вторую, и третью.
– А там, глядишь, привыкнет
к чтению.
– Да. Так это и работает. И то, что сейчас
появляются очень популярные книги, это очень круто. Потому что на одном
Пелевине, при всей моей дикой любви к его раннему творчеству, далеко не уедешь.
Все иронизируют насчет ежеосеннего релиза новой книжки Пелевина, мол, "он
уже не торт", но это – один из немногих поводов, который позволяет
федеральным медиа вспомнить о том, что у нас, вообще, есть литература, есть
книги. Книга у нас сегодня воспринимается как нечто позавчерашнее. Поэтому, все
призывают учить детей читать, чтобы они стали умнее, но сами читать не хотят.
Это положение меняется. Дети и подростки читают. Да, они читают то, что не
нравится многим взрослым, и слава богу.
– Какие пять свежих романов
отечественных авторов нужно прочесть сегодняшнему читателю, на ваш взгляд?
– Вспоминается советский фильм, в котором героиня
Муравьёвой говорила: «Странно, что вы не читали "Трёх товарищей", их
читала вся Москва». К счастью, эти времена закончились. Нет пяти, или десяти,
или ста романов, которые тебе необходимо прочитать, пока ты не умер. Необходимо
прочитать тысячи романов, пока ты не умер. Или тысячи поэм, если ты не любишь
прозу. Или тысячу томов манги или графических романов, если тебе они нравятся.
Мы сейчас живём в то время, когда нас окружает множество культурных продуктов,
которые могут существовать не только на разных языках, но и вообще без языка, в
виде картинки. Они сходны лишь в одном: это истории, продлённые нарративные
творения, которые можно читать и получать эмоциональную встряску, прикипая к героям.
И у каждого ряд этих творений может быть своим. Тут должна следовать
классическая фраза про арбуз и свиной хрящик. Когда ты не успеваешь прочесть
что-то, потому что уже и так читаешь пять классных книг, эта ситуация нормальна
не требует исправления. Читай, что тебе нравится. Чтение – это огромнейшее
удовольствие в жизни. «Ты говоришь, что это вкусно, потому что настоящей
вкуснотищи не пробовал» – такой подход не работает. А вот ситуация, когда
человек ноет, что читать нечего и поэтому не читает ничего, требует
исправления. Но исправления изнутри. Человек сам должен попробовать пролистать
первые пятнадцать страниц книги и понять: его эта книга или нет. Либо найти в
соцсетях или мессенджерах человека, который ему симпатичен, посмотреть, что он
читает и, исходя из этого, определить свой ближайший круг чтения.&nbsp; 
– Последний вопрос: бумага
или электронка?
– К сожалению, для меня уже электронка. Бумагу
читаю с большим трудом, она неудобна, её боишься помять, порвать или
забрызгать. Да и глазок уже не хватает (смеётся),
там шрифт не увеличишь. А на телефоне я выставил нужный мне размер шрифта и
читаю. И всегда с собой тридцать-пятьдесят книг, есть, чем переложиться. А
бумажных книг взял с собой два тома и чемодан уже полон. Но бумажные книги всё
ещё покупаю, потому что это красиво. Их нравится листать, нюхать и отмечать
какие-то кусочки. 
Фото Анны Овечкиной, Матвея Яворского и
Полины Шимановской предоставлены пресс-службой Челябинской областной
универсальной научной библиотекой.

#РыжийФест, недавно собравший тысячи любителей чтения в Челябинске, порадовал южноуральцев не только изобилием новых книг. Целая когорта писателей первой величины посетила фестиваль, чтобы пообщаться с читателями. Мы поговорили с одним из самых значительных российских писателей нашего времени, дважды лауреатом премии «Большая книга» Шамилем Идиатуллиным.

Шамиль Идиатуллин: «Чтение – это огромнейшее удовольствие в жизни»

Какой музыкальный инструмент у человека всегда с собой?
Правильно, голос! Голосом мы выражаем эмоции, коммуницируем, голос помогает
обмениваться информацией. Но это не всё! У человека есть удивительная
способность - создавать музыку буквально из ничего. Лишь восхитительным умением
управлять собственным голосом. Вибрации звука нескольких десятков голосов способны
проникнуть сквозь все преграды, достичь самых глубоких уголков сознания и души.
Мощный голос хора помогает освободиться от негативных мыслей и чувств, наполняет
слушателей внутренним светом.
Камерный хор имени Валерия Михальченко уже пятьдесят лет очаровывает
слушателей виртуозностью исполнения произведений самых разных жанров. Благодаря
кропотливой работе, стремлению к совершенству, хор под руководством Ольги
Селезнёвой продолжает покорять всё новые вершины, завоевывает сердца зрителей в
разных уголках мира.

Творческая палитра репертуара хора поражает многообразием стилей,
исполнительское искусство всегда на максимуме качества. Слушатели вновь и вновь
восхищаются талантом артистов хора.
Прославленный коллектив стал драгоценной частью культурного пространства
Челябинской области, каждое выступление хора становится знаменательным событием
в музыкальной жизни.
Осенью нынешнего года Наталья Пугачёва начинает в камерном
хоре им. В. Михальченко свой двадцать восьмой сезон. «Наталья профессионал с
большой буквы, музыкант, чувствующий душой всю глубину, печаль, тоску, радость,
тонкость и хрупкость музыкального мира!», - так отзываются о Наталье Львовне
коллеги.
Губернатор Алексей Текслер подписал указ о присвоении
Наталье Пугачёвой звания «Заслуженный работник культуры и искусства Челябинской
области».
- Наталья Львовна, скажите, почему хор? Как выбирали
профессию?
- На самом деле у меня в юности был выбор куда поступать
учиться: в музыкальное училище или в медицинский на стоматолога. Да, такой
необычный набор специальностей. Бабушка у меня работала зубным техником и мне с
детства нравилось бывать у неё на работе. А музыка была в моей жизни всегда.
Моя мама работала инженером, но у нее отличный слух, она очень хорошо пела.
Папа солист ансамбля «Ариэль» Лев Гуров, можно сказать, что я выросла за сценой.
Музыкальную школу я окончила по классу фортепиано и думала поступать на
исполнительский. Но мой педагог знала, что у меня хороший голос и посоветовала
выбрать дирижерско-хоровое отделение. Поступила в музыкальное училище и больше
о медицинской карьере не задумывалась. Кстати, моя старшая дочь осуществила эту
мечту: пошла в медицину.

- Значит в хор вы пришли сразу после музыкального
училища?
- Вовсе нет. В то время существовало распределение.
Каждый выпускник должен был отработать определенное количество лет там, куда
его направит государственная комиссия. Мне достался посёлок Комсомольский в
Брединском районе Челябинской области. Там до сих пор существует школа
искусств, в которой я начинала. Работы было очень много, мне нравилось. Я
преподавала и сольфеджио, и музыкальную литературу, и фортепиано, и хор у нас
был. Специалисты на селе всегда очень востребованы. В клубе в
вокально-инструментальном ансамбле я пела и даже играла на балалайке в оркестре
народных инструментов. Жизнь бурлила: концертов много организовывали, ребятишек
учили, в конкурсах участвовали. 
- Не жалеете о том, что пришлось работать в деревне?
- Ничуть! Я считаю, что работать по распределению после
окончания учебы, это правильно. Осваиваешь свою профессию на практике, нарабатываешь
бесценный опыт. В городской музыкальной школе я бы вела только один какой-то
предмет и все. А в небольшом посёлке мне удалось поработать в разных ипостасях.
Кроме всего прочего и опыт самостоятельной жизни получаешь, вдали от родителей.
Мне, как молодому специалисту, сразу квартиру дали. Там же в Брединском районе
я познакомилась с моим будущим мужем. Он после магнитогорского училища тоже
приехал работать по распределению. Музыкальным работником в клубе был, в школе
искусств преподавал.
&nbsp;

- Как попали в хор к Валерию Михальченко?
- Во второй половине девяностых мы перебрались в
Челябинск, я искала варианты работы. Знакомая рассказала, что Валерий
Васильевич Михальченко набирает артистов в свой коллектив. Я заинтересовалась и
стала готовиться, всё же прослушивание в камерный хор – это как экзамен в
университет. Всё прошло удачно и в сентябре 1996 года я стала солисткой хора.
Могу сказать, что мне в жизни повезло, я открыла ту самую, правильную дверь и
попала куда надо. Бесконечно люблю свою профессию, не представляю иной жизни
для себя.
- Почему решили продолжать карьеру в хоре, не стали
индивидуально выступать?
- Хор – это как единый организм, это целый мир. Это мой
мир. Поэтому столько лет живу и работаю в нашем коллективе. Даже если и солировать,
то только на фоне хора. Попасть работать к такому великому специалисту как Валерий
Михальченко, дорогого стоит. Он всегда трудился, постоянно обдумывал репертуар,
корректировал звучание. Мы многому у него научились и теперь легко справимся с
любой работой у любого дирижера. В то время солистов хора не хватало, мне одно
время выпало петь даже басовые партии. Потом Валерий Васильевич написал
знаменитое произведение на молитву «Отче наш», которое стало визитной карточкой
нашего коллектива. Долго думал, как лучше исполнить и предложил мне солировать.
Я спела, и он обрадовался: «Вот для кого я, оказывается, написал!» Михальченко
всегда говорил, что хор – это великая сила. Я счастлива, что стала частью этой
силы.

- Сейчас в репертуаре хора и духовная музыка, и классика,
и популярные мелодии.

- Да, наш репертуар огромен! У нас есть оперы, например клоунада-фантасмагория
«Смерть чиновника, или Эпизоды из жизни милостивейших государей» Елены
Попляновой. Каждый из артистов хора не только поёт, но и перевоплощается в
кого-то из действующих лиц. В нашем репертуаре много песен народов России,
которые мы исполняем на языке оригинала. Зрители, особенно в области, очень
тепло принимают мелодии из советского прошлого, подпевают, танцуют. У нас
хорошие детские программы, некоторые из которых мы сделали совместно с детской
филармонией. Неизменной популярностью пользуется реквием Моцарта. Не так давно
мы исполняли Демественную литургию, Мессу мира. Мощная, шикарная музыка!
- То есть концерты хора можно рекомендовать слушателям
всех возрастов?
- Конечно! У нас есть и свои спектакли, и эстрадная
музыка, и мультфильмы, и классика. Необходимо начинать знакомство с богатейшим
музыкальным наследием с самого юного возраста. Сейчас же развита сеть школьных
автобусов, появилась возможность привозить ребят из региона на концерты. Мы
сами часто выезжаем в города Челябинской области с выступлениями. Культура –
это же фундамент, на котором растёт и развивается человек. Культура – основа
общества, то, что может сплотить, объединить всех людей нашей страны.

- Голос – ваш главный инструмент. Приходится как-то
ограничивать себя, соблюдать какие-то правила?
- Да, в отличие от музыкантов симфонического оркестра,
наш инструмент заменить невозможно. Если у них что-то с инструментом
произойдёт, то купят новый и всё. А у солистов хора – голос самое ценное. Голос
– это жизнь. Работа в хоре тяжелее физически, чему у других артистов. Мы весь
концерт, репетиции стоим на ногах, работаем не только голосом, всем телом. 
- Как считаете, присвоение званий полезны для артистов?
- Да, это хорошая инициатива. Звание – это приятно, это
знак артисту, что вся его работа, усилия, всё не зря. Артист – работа
круглосуточная. Ты постоянно прокручиваешь разные моменты в голове, ищешь
наилучшие решения, придумываешь новые ходы. Тем более, что у нас хор. Это не
эстафету пробежать. В хоре артисты должны очень тонко чувствовать друг друга, это
какой-то иной уровень взаимодействия. В нашем коллективе собрались сейчас
артисты разного возраста, но это ничуть не мешает. Все прекрасные специалисты,
талантливые музыканты и очень уважительно относятся друг у другу.

- В культурном пространстве региона отмечаете какие-то
изменения? Нашему министерству культуры исполнилось 20 лет.
- Да, много положительных моментов. Например, те же
звания региональные появились для артистов и работников культуры. Это важный
плюс. Кроме того, часто ездим с концертами по нашей области, повидали многое.
Если раньше мы выступали в каких-то холодных, довольно ветхих зданиях, то
сейчас всё изменилось. Дома культуры, клубы просто преобразились! Шикарные залы
появились в городах и деревнях нашей области. И артистам выступать приятно, и
зрители приходят совершенно с другим настроем. Настоящий праздник!
&nbsp;
Фото Людмила Ковалёвой, Надежды Пелымской (Челябинская
филармония)

Какой музыкальный инструмент у человека всегда с собой? Правильно, голос! Голосом мы выражаем эмоции, коммуницируем, голос помогает обмениваться информацией. Но это не всё! У человека есть удивительная способность - создавать музыку буквально из ничего. Лишь восхитительным умением управлять собственным голосом. Вибрации звука нескольких десятков голосов способны проникнуть сквозь все преграды, достичь самых глубоких уголков сознания и души. Мощный голос хора помогает освободиться от негативных мыслей и чувств, наполняет слушателей внутренним светом.

Поющая сердцем 

В челябинском государственном Камерном драматическом
театре поставили пьесу “Слон”, которая была запрещена в Советском Союзе. За
что? За то, что очень смешно и слишком честно.

Автор пьесы Александр Копков
рано заявил о себе, его талант был оценен Максимом Горьким, но “Слон” просто не
мог получить при советской власти сценическую жизнь. Главный нерв пьесы –
противостояние идеологического и человеческого императивов, лицемерного “Морального
кодекса строителя коммунизма” и бытовой деревенской жизни. 
&nbsp;
Вкратце, если пересказывать
сюжет “Слона” без спойлеров, получится следующее. Время становления колхозов,
молодая советская власть уже научилась держать головку, но на ногах стоит ещё не
очень твёрдо. Комсомольский вожак уверенно носит на боку маузер, но и
деревенский священник ещё никуда не делся. Крестьянин Гурьян Мочалкин (артист
Дмитрий Блинков) стал кандидатом в члены партии – “полупартейный” в терминах
советской деревни – и подался в колхоз: шаг просто суперпрогрессивный. И вдруг…
Пропал человек. Три дня нету дома мужика. Марфа, жена евойная (засл. артистка
области Мария Беляева), голосит как профессиональная плакальщица, трое детей в
панике, селяне в растерянности. 
&nbsp;
Они рядятся: собрать по миру
денег и нанять в районе собаку-сыщика или сэкономить и поискать Гурьяна самим.
Но тут Мочалкин объявляется и втайне рассказывает жене, что нашёл клад –
золотого слона. Увы, в деревне всё тайное быстро становится явным и жизнь
Гурьяна резко меняется. Зарыть клад обратно? Колхозу отдать?

Слон перевернул жизнь
Гурьяна Мочалкина
&nbsp;
“Слон” – пьеса разговорная. На
первый взгляд, там не так много действия, но петербургский режиссёр Михаил
Каргапольцев вместе с труппой Камерного выжал из текста максимум динамизма за
счёт заострения характеров и применения остроумных пластических решений.
Причём, когда читаешь аннотацию к спектаклю, то рисуешь себе в голове некий
балаган, но на деле ничего подобного: там очень реалистичный сюжет и даже само
по себе появление золотого слона вполне себе логично объясняется. Короче
говоря, ты не просто сидишь в зрительном зале и ржёшь до слёз, ты ещё и
постоянно ловишь себя на мысли: а чем, чёрт меня раздери, всё это закончится? 
&nbsp;
Первый акт пьесы – это явная
отсылка к тайной вечере, второй – “Нападение на 13-й участок” в колхозном
сеттинге, в финале – разухабистая алкогольная буффонада. Но это не только
смешно, но и очень злободневно. Только, ради бога, не читайте спойлеров,
испортите себе всё впечатление. В этом, кстати, самая засада для культурного
обозревателя: очень хочется рассказать, что происходит, но, при этом, нельзя
убить интригу. 
&nbsp;

Колхозный сход
&nbsp;
Возвращаясь к режиссёрским
решениям, придающим тексту динамичности, нельзя не вспомнить колхозный сход,
где селяне пытаются коллективно прийти к решению – что делать с гурьяновским
слоном. Каждый сгорает от зависти, но каждый делает правильное лицо.
Разумеется, на сходе без самогону никуда. 
&nbsp;
Председатель Курицын (засл.
артист РФ Виктор Нагдасёв) лицемерно заявляет, что пить не будет и
демонстративно выплёскивает содержимое кружки на пол, после чего хозяйка
моментально доливает ему из бутыли, пока он несёт селянам идеологическую чушь.
Председатель смотрит на невесть откуда появившийся в кружке самогон и прямо
слышно как его недавно обретённое материалистическое мировоззрение трещит по
швам в этот момент. 
&nbsp;
Местная идеологическая кликуша
Варвара (Надежда Дудченко) приходит на вечеринку, выкрикивая лозунги типа
"трезвость — норма нашей жизни" и колхозный комсомольский лидер
Свёклин (Пётр Артемьев) удивительно искусно опрокидывает кружку прямо в ее
распахнутый идеологический рот. После чего с ней случается, кгхм... Некоторая
перемена.
&nbsp;
Лейтмотив пьесы выражен в
мученической фразе Гурьяна Мочалкина: “Черт меня дёрнул родиться с таким
капиталом среди таких-то законов”. Он тщетно пытается найти золотому слону
какое-то применение, но ничего не выходит. 
— Кутнуть что ли, напоить весь
колхоз, чтобы на сто лет помнили? – спрашивает он себя.
— Лет на десять, – цинично
отвечает ему сын Митя. 
— За что?!
— За срыв уборочной кампании и
разложение народных масс.
&nbsp;
Председатель требует от
Гурьяна отдать слона колхозу. “Отдать задаром? Безо всякого эффекта? Жаль, царя
нет. При царе-то представляешь, что бы со мной было?! Передо мной бы весь
приход на коленях стоял!”, – размышляет Гурьян. Он понимает, что после схода
местный аферист Цаплин попытается выкрасть слона, а если и не он, то мало ли
желающих приобщиться к золотишку. Гурьян вооружает семью и велит всем дежурить.
А когда замечает, что домашние уснули, то с силой хлопает крышкой сундука и мы
видим, как за окном разбегаются тени вороватых соседей. Гурьян едко
комментирует: ”Вот именно в таких случаях мне ваша власть и не нравится”. 
&nbsp;
Наконец, Гурьян решается
покинуть деревню. Ну куда бежать? В какую страну? “Лететь надо туда, где
кризиса нет. Потому что "кризис" по-нашему – “гроб", говорит ему
кулак Салакин. “Да нет такой земли, где кризиса нет”, сокрушается Гурьян.
Согласитесь, трудно поверить, что это написано в тридцатые годы?

Ушлый аферист Цаплин
&nbsp;
Мочалкин – неисправимый
оптимист и кипит предпринимательскими идеями. Его вообще ничем не сломить и
этим он напоминает некую обобщённую икону подкастов о предпринимателях. Его
главная иллюзия камертоном отражает мантру молодых предпринимателей современной
России: “нет такого чуда, которого бы не мог совершить капитал”.
&nbsp;
К счастью, алкогольная
буффонада в финале сглаживает понимание того факта, что в реальности судьба
Гурьяна Мочалкина была бы весьма печальной. Открытый финал с его слегка
наголливуженным семейным портретом даёт хорошее послевкусие. Но тут
вспоминается диалог Марфы Мочалкиной с комсомольцем Свёклиным из начала пьесы: 
— И стал он уклоняться. Но не
знаю, вправо или влево. По-вашему куда лучше ?
— А по-нашему всё равно, –
отвечает Свёклин. И он так нехорошо это отвечает, что становится немножко
зябко. 
&nbsp;

Комсомолец Свеклин со слоном
&nbsp;
Сразу приходит на ум
легендарная песня Юза Алешковского “Письмо товарищу Сталину”: “Вчера мы
хоронили двух марксистов // Тела одели ярким кумачом // Один из них был правым
уклонистом // Другой, как оказалось, ни при чем”.

Режиссер Михаил Каргапольцев
&nbsp;
Подводя итог, можно сказать,
что “Слон” в трактовке Михаила Каргапольцева и исполнении артистов Камерного –
это гомерически смешная, но глубокая и очень человеческая история, которая
очень актуально звучит сегодня и, вероятно, будет актуально звучать всегда.
Пока стоит Россия-матушка.&nbsp; 
&nbsp;
Фото Марата Муллыева предоставлены пресс-службой Камерного
театра
&nbsp;

В челябинском государственном Камерном драматическом театре поставили пьесу “Слон”, которая была запрещена в Советском Союзе. За что? За то, что очень смешно и слишком честно. 

Партийцу не должны черти сниться

Более тридцати лет в Магнитогорском академическом
драматическом театре им. А.С. Пушкина служит актриса Марина Яковлева.
Поклонники театрального искусства быстрее узнают Марину Павловну под фамилией
Крюкова. Именно с такой фамилией выпускница театрального отделения
Красноярского института искусств приехала в уральский город Магнитогорск, в
труппу главного режиссера Валерия Ахадова. Так появилась Марина Крюкова на
сцене театра, а зрители познакомились с прекрасной характерной актрисой.
Весной 2024 года Марина Крюкова в числе первых получила
звание «Заслуженный артист Челябинской области». 
- Скажите, Марина Павловна, звание приятно или создает
определенные сложности?
- Новое звание - прежде ответственность. На обладателей
званий смотрят совершенно иначе. Хотя в нашей профессии всегда каждый на виду.
Поэтому определенный самоконтроль у актера воспитывается очень быстро, в начале
карьеры. С другой стороны, заслуженные артисты всегда под более пристальным
наблюдением как зрителей, так и коллег. Для кого-то заслуженный артист
становится неким ориентиром, образцом для подражания.
&nbsp;

- Миф о том, что артист – восторженный необязательный
человек, который делает что хочет, развеян?

- Важно сразу понять, что профессия артиста, как и любая
другая профессия – это путь, дорога в жизнь. И всё начинается с самодисциплины.
Актер, он же как военный - прежде всего дисциплина! Без дисциплинированности,
ответственности ничего в профессиональной деятельности достичь невозможно.
Конечно, артист должен обладать и каким-то авантюризмом, внутренней свободой,
иначе он не творец. 
- Этому учат в театральных институтах?
- У нас в институте мы в первую очередь освобождались от
шаблонов. Когда ты отбрасываешь всё наносное и возвращаешься в детство. Артист
– это художник. И потом всё по Станиславскому. Ты учишься жить здесь и сейчас,
учишься быть в моменте. Кстати, это модное в наши дни выражение «быть в
моменте», совсем не ново. Со времен Константина Сергеевича каждый артист так
учится своей профессии. С этого всё начинается. Я нахожусь здесь и сейчас. Вот
здесь. Что я делаю, зачем я делаю и как я это делаю. В общем-то, это основы
профессии.
- Когда у вас появилось желание стать актрисой?
- Можно сказать, что в детстве. Я взрослый человек,
выросла в СССР. В то время жили мы победнее, но весело. Детство заставляло
становиться творческими людьми: мы сами придумывали себе развлечения. Потом я
пришла в Дом пионеров, записалась в театральный кружок. Так начался длинный
путь в театр.

Сцена из спектакля
«Ханума»
&nbsp;
- После школы решили поступать в театральный?
- Да, но поступить удалось не с первого раза. Сама я из
Новосибирска, но подавала документы в театральные вузы разных городов. Судьба
распорядилась так, что в итоге я поступила в Красноярский институт искусств на
театральное отделение. Повезло попасть на экспериментальный курс, где основы
мастерства преподавали московские педагоги. Наш педагог Леонид Владимирович
Калиновский был профессором знаменитой «Щуки» (театральное училище им. Б. Щукина).
- Почему после учебы поехали в театр города
Магнитогорска?
- Когда наша учеба подходила к концу, в институт приехал
знаменитый режиссёр Валерий Ахадов. В тот момент он уже был главным режиссёром
магнитогорского драматического театра и искал молодых актеров в труппу. Про наш
экспериментальный курс слава распространилась далеко за пределы Красноярска.
Так о нас узнал Ахадов и приехал знакомиться. 
- И вы получили приглашение в труппу театра?
- Да, Валерий Бакиевич посмотрел на нашу работу и
пригласил в театр. Человек десять с курса приняли решение работать в
Магнитогорске. Конечно, нас покорил потрясающий режиссёр, мы не могли упустить
возможность поработать с таким талантливым мастером. Наш педагог Ирина
Борисовна Калиновская снималась в кино у режиссёра Ахадова и много рассказывала
об этом человеке, о работе с ним.

Сцена из спектакля
«Каштанка»
&nbsp;
- Ваши ожидания подтвердились?
- Мы не пожалели, что приехали в Магнитогорск. Артисты,
конечно, идут работать к наставнику, на имя, на статус, на мастерство. В тот
момент для нас таким маяком стал Валерий Бакиевич Ахадов. И мы не ошиблись.
Потому, что сразу же случилась «Чайка», «Вишневый сад». У Ахадова была задумка
поставить на магнитогорской сцене всего Чехова. Некоторые из наших ребят,
отработав контракт, уехали через год, через два. А мы с Надеждой Павловной
Лавровой остались. Так и работаем. 
- Как дальше складывалась ваша актерская судьба?
- Мы, актёры, люди подневольные. Кого в нас видит режиссёр,
того и играем. Поэтому некоторые из тех ролей, которые хотела сыграть, так и
остались мечтами. Очень часто играла бабушек, но всех их нежно люблю. Ещё я
очень люблю театр, поэтому меня вдохновляет сам процесс работы над спектаклем,
становится важным не сама роль, а партнёры по сцене, взаимодействие с каждым из
них.
- Но потом случилась золотомасочная «Гроза» в постановке
Льва Эренбурга?
- Да, но не сразу. Это было что-то невероятное! Впервые
главную театральную премию в номинации «Лучший спектакль в драме. Малая форма»
получил не столичный театр. Наш город даже не областной центр! С «Грозой» мы
объездили много стран и городов, это был настоящий подарок судьбы. Во всех
странах нас прекрасно принимали. Зрители очень хорошо смотрели спектакль.
Играли мы на русском языке, но публика часто понимала всё без перевода.

Сцена из спектакля
«Дом, в котором нескучно»
&nbsp;
- В наши дни какие-то события смогли подарить схожие
эмоции?
- В прошлом году в Магнитогорске случился грандиозный
фестиваль театров малых городов. Это было потрясающе! Организовано всё на
высочайшем уровне, много общения, встреч с коллегами, обсуждений. Жаль, что в
те же даты в нашем городе проводился фестиваль уличных театров. Хотелось
разорваться и успеть везде. Надеюсь, такие фестивали будут у нас и в дальнейшем
проходить.
- В недавнее время у вас несколько новых уникальных
работ. Моноспектакль «С неба упали три яблока», роль Графини в «Пиковой даме».
- Да, режиссёр Илья Архипов из Санкт-Петербурга поставил на
нашей сцене в прошлом году «Пиковую даму», а весной этого года «Каштанку».
Необычные работы: мистический квест и цирковое представление об исполнении
мечты. Абсолютно разные спектакли, но у Ильи Архипова каждый спектакль
необыкновенное шоу.

Сцена из спектакля «С
неба упали три яблока»
&nbsp;
- Расскажите о моноспектакле? Он получил гран-при на IV Межрегиональном
фестивале-конкурсе индивидуальных актерских работ им. В.И. Милосердова.
- Автор инсценировки и режиссер спектакля «С неба упали
три яблока» Елена Лукманова. По её словам, когда она прочла произведение Наринэ
Абгарян, то сразу же увидела меня в этой роли. Говорят, что с Наринэ мы даже
чем-то внешне похожи. А в спектакле я перевоплощаюсь во всех персонажей. Обитатели
маленькой армянской деревушки Маран затеряны высоко в горах, там проходит их
жизнь со всем радостями и горестями. Чудеса и мистика, знаки судьбы и старинные
обряды, вещие сны и религия. Всё тесно переплетается в их быте… Эта история
даёт надежду. Впереди нас всех ждёт много хорошего.
- А чего бы хотелось пожелать себе, творческому сообществу
города?
- Нам в Магнитогорске очень не хватает дома актёра. Чтобы
артисты разных театров могли встречаться, обсуждать какие-то профессиональные
вопросы, придумывать совместные творческие проекты. А в доме актёра пусть будет
музей театров города. Столько лет здесь работают творческие люди, а своего
профессионального музея нет. И очень хочется, чтобы награды и звания чаще
давали молодым артистам. У нас так много талантливой молодежи! Хочется, чтобы
они оставались в нашем регионе, работали тут, росли в профессиональном плане,
получали признание. Появление регионального звания «заслуженный артист» повысило
статус профессии. И Челябинской области как территории в целом.

Сцена из спектакля
«Пиковая дама»
&nbsp;
- Министерству культуры Челябинской области исполнилось
20 лет. Какое напутствие можете дать коллегам?
- Ведомству и коллегам я желаю здравствовать и процветать.
Люди, которые там работают - отважные люди. Заниматься культурой – это не
материальное, это не за деньги. Нужно иметь к такой работе много желания,
рвения, образования. Невероятно сложно бывает объяснять человеку, где он живет,
зачем он живет и как. Связь времен осуществлять. Это все задачи области культуры.
Помогать человеку становиться личностью, обрести твердую опору под ногами. Мне
хотелось бы, чтобы люди не забывали о духовном развитии, о культуре. 
&nbsp;
Фотографии предоставлены пресс-службой МАДТ им. А.С. Пушкина

Более тридцати лет в Магнитогорском академическом драматическом театре им. А.С. Пушкина служит актриса Марина Яковлева. Поклонники театрального искусства быстрее узнают Марину Павловну под фамилией Крюкова. Именно с такой фамилией выпускница театрального отделения Красноярского института искусств приехала в уральский город Магнитогорск, в труппу главного режиссера Валерия Ахадова. Так появилась Марина Крюкова на сцене театра, а зрители познакомились с прекрасной характерной актрисой.