Четыре столетия русского чая 

Айвазовский

Качай культуру

Ящерка Злата

В театр, на концерт и на выставку можно ходить бесплатно! Для этого гражданам от 14 до 22 лет необходимо оформить Пушкинскую карту.

Оформи пушкинскую карту для посещения учреждений культуры

Культур

Пьеса Артура Соломонова «Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича» оставила яркие, неизгладимые впечатления. Еще во время читки, которая была организована 4 ноября 2019 года в рамках пятого Международного фестиваля современного искусства «Дебаркадер. Трансформация». Именно тогда стало понятным, что спектакль по этому материалу априори не может получиться тривиальным. Так и оказалось. Февраль 2021-го стал не только морозным, но и ошеломительным в театральном плане для Челябинска. Ведь под конец зимы прогремела мировая премьера черной комедии в постановке Виктории Николаевны Мещаниновой. Уверенно, смело, вызывающе, провокационно. За это я и люблю Камерный Театр! За смелость, храбрость, эксперименты, выбор неоднозначного материала, открытый и честный диалог со зрителем.

В целом, спектакль получился «убойным», забористым, острым, едким. Перед публикой развернулся своеобразный «театр в театре», «спектакль о спектакле», в котором с помощью колкого юмора, сарказма оглушительно высмеиваются современные проблемы общества. По сюжету, в одном из столичных театров готовятся к премьере. Тема новой постановки – смерть Сталина. События разворачиваются стремительно и совсем не подчиняются здравому смыслу. Откуда ни возьмись, появляется загадочный человек из Министерства. Возникает непростая ситуация – сам глава государства изъявляет желание дистанционно посмотреть спектакль о своем, как он шутя выражается, «предшественнике». И не просто посмотреть, а за обедом… Пережевывая пищу. Как легкое увеселительное шоу. Как «закуску» к основным блюдам. Но «пережевать», «вкусить с наслаждением» новый спектакль президенту, увы, не удается. Происходящее на сцене «встало посреди горла» главы государства, действом он оказался недоволен.

Ситуация напоминает бредовый сон. А потом, поразмыслив, понимаешь, что она вовсе не далека от реальности; что бредовой, скорее всего, является наша современная жизнь. И речь уже идет совсем не о сталинизме… Акценты смещаются. И мы видим современную цензуру, давление «сверху», гонения и угрозы; грубые изъяны современного общества. В спектакле Челябинского Камерного театра вырисовываются хлесткие, жесткие сатирические иллюстрации к сегодняшнему дню.

От подобных ситуаций помогает только «лечение смехом». Через этот лечебный смех, юмор, шутки, фарс мы очищаемся; находим силы говорить о страшных вещах смело, бороться с ними.

«Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича» позволяет проследить, из каких зерен и какими путями в душе человека прорастает страх; где скрываются его корни. Какие плоды мы пожинаем, взращивая страх в сердцах нескольких поколений. Как один человек начинает стучать на другого, доносить, юлить, клеветать… Какой безумной может оказаться жизнь, построенная на страхе.

Особенно оглушают и запоминаются слова одного из героев спектакля (Терентия) о «кризисе перепроизводства святынь»: «Ведь сейчас толком никто не понимает, во что мы верим и куда идем, и поэтому неприкосновенным объявляется все: и прошлое советское, и прошлое имперское, и царь, и цареубийцы, и церковь, и те, кто сносил храмы. Впрочем, это только кажущийся парадокс, и он легко объясним: власть должна быть права в любых своих решениях и проявлениях, а потому она верно поступала и в 1905, и в 1917, и в 1937, да во все годы... Нашу страну сотрясает много кризисов, но главный я бы определил как «кризис перепроизводства святынь». Одной из таких святынь, увы, оказался Иосиф Сталин...».

Фото: Марат Муллыев

Светлана Демцура

Пьеса Артура Соломонова «Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича» оставила яркие, неизгладимые впечатления. Еще во время читки, которая была организована 4 ноября 2019 года в рамках пятого Международного фестиваля современного искусства «Дебаркадер. Трансформация». 

Не только февральские морозы взбудоражили Челябинск, но и премьера в камерном

«Трованты»... Совершенно ошеломляющий и невероятно красивый спектакль Челябинского Молодежного театра, заслуживающий особого внимания. Он уникален в своем роде. Сильно выбивается из текущего репертуара и, по-моему, занимает одну из лидирующих позиций.

Появление пластической легенды «Трованты» – большая, очень большая удача не только для театра, но и для зрителей. Ведь подобная магия возникает редко. А тут все совпало – и талант, и желания, и возможности.

«Трованты» – это разговор по душам без слов. Это исцеляющее слияние с природой, обмен энергиями, чувствами, эмоциями. Это всполохи огня, танцующие искры, сильнейший жар, пульсирующие движения, сжигающее изнутри пламя. «Трованты» – это леденящее дыхание севера, это пушистые снега, неприступные горы, ледники, острые скалы, поднимающиеся прямо из воды, живые камни, в которых скрыты в заточении человеческие души.

«Трованты» – это норвежские девственные пейзажи. Смотришь на сцену и невольно видишь набухшие облака, пронизанные лучами уходящего солнца. Слышишь журчание воды, которая струями стекает по холодным камням. Видишь кристально чистые озера и реки, пещеры, туман, парящую высоко-высоко стаю птиц. Ощущаешь порывы ветра… и свою сопричастность, единение с этим таинственным миром.

«Трованты» – это легкие, грациозные, женственные, пластичные жительницы норвежской деревни, их чарующие изгибы и томные взгляды. Это взмах рук, летящие в танце волосы, плавное покачивание бедрами, дыхание горячее до предела, нежные вздохи и тихий шепот. «Трованты» – это мускулистые мужские спины, капли пота, сверкающие в приглушенных лучах света, дикие и агрессивные движения, демонстрирующие буйный нрав. «Трованты» – это туго переплетенные тела, слитые в единое целое.

Жители деревни завораживающе танцуют. Как они красивы и естественны в своих порывах! Иногда похожи на хищников, готовых к решающему броску и битве, иногда прижимаются к земле, вьются, стелются под ногами, как змеи. Они крадутся, резко вздрагивают, распрямляются от волнения, тревоги, догоняют, набрасываются, нападают, действуют на уровне инстинктов. Одним словом, отдаются сумасшедшему танцу без остатка.

В спектакле нет пошлости, нет грязных намеков и подтекстов. Зато в нем есть невероятная и мощная энергия. Благодаря порывистым движениям героев, благодаря придыханию, вздохам, пульсирующим ритмам музыки мы, зрители, погружаемся в особый мистический, загадочный, незнакомый, но безумно красивый мир. «Трованты» – это эстетическое наслаждение, красота смуглых тел (на которых изображены символы и письмена, скрывающие неведомые смыслы).

Со сцены в зал бурлящим потоком «выплескивается» музыка. Она наполняет и переполняет все пространство медитационными звуками. Она струится со всех сторон, обволакивает, берет в свой плен. В эту непрерывную сложносочиненную мелодию удачно вплетаются шорохи, шепот, рычание, стоны, этнические, шаманские напевы…

Особенно запоминается воинствующая Эрда! Одним леденящим взглядом она способна моментально ввести в транс, подчинить себе человеческую волю и тело. Даже в зале чувствуется этот натиск темной энергии, ее смертельно-сладостная сила.

«Трованты» – это череда мистических событий… Личные жизненные трагедии; просьбы, обращенные к небесам; борьба за собственное счастье… Прекрасен танец жительниц норвежской деревни и их молитва, взывание к светлой Фрее. Под тягучую, липкую, обволакивающую музыку с белоснежными тягучими, липкими, как паутина, тканями. Эти полотна обвивают стройные, гибкие тела девушек; они заворачиваются в них, как в кокон, покачиваются, как в колыбели. После всех трагедий и несчастий появляется величественная Фрея, дарующая спасение, очищение и любовь.

P.S. Впечатления от пластического спектакля «Трованты» нужно получать на уровне чувств, «отключив голову». Однозначно. Потому как если вы будете пытаться искать в происходящем на сцене сюжеты скандинавских легенд и мифов, силясь вспомнить то, что накануне вы «нагуглили» в Интернете; если вы будете выстраивать логические цепочки, желая связать противостояние Эрды и Фреи со скандинавской мифологией, то вы сразу «выпадете» из спектакля. Надолго и безвозвратно. «Трованты» нужно чувствовать и ощущать. В этот спектакль нужно занырнуть с головой. И непременно следует «отключиться», довериться режиссеру, художникам, раствориться в музыке, созерцать удивительный и прекрасный мир живых камней. Только тогда возникнет настоящая магия. Только тогда вы влюбитесь. Только тогда вы получите несказанное удовольствие и наслаждение.

Кстати, 17 марта впервые в роли Фреи на сцену вышла Ольга Телякова. Светлая, легкая, воздушная, невесомая, хрупкая, белоснежная, неземная. Сильная, гордая, несломленная. Особенно она нежна и прекрасна в финальном медитативном танце под струями воды…

Спасибо всей постановочной команде: режиссёру по пластике – талантливому Владиславу Морозову, хореографу-постановщику – чувственной Елене Пришвицыной, художникам, которые придумали потрясающий мир с парящими камнями – Антону Сластникову, Елене Хохлович, художнику по свету – Павлу Ларионову, создателям видеоарта – Дмитрию Иванченко и Антону Сластникову, режиссёру-ассистенту по работе с актёрами – Вячеславу Косареву.

Спасибо за подаренную легенду, за этот удивительный мир, в который я обязательно вернусь.

«Трованты»... Совершенно ошеломляющий и невероятно красивый спектакль Челябинского Молодежного театра, заслуживающий особого внимания. Он уникален в своем роде. Сильно выбивается из текущего репертуара и, по-моему, занимает одну из лидирующих позиций.

Магия «Тровантов»

Какой же трогательный у Александра Черепанова спектакль! Его можно пересматривать многократно. И каждый раз находить что-то новое, цепляющее, смешное и грустное, проникающее в самое сердце. Когда прикасаешься к этой волшебной сказке, забываешь о житейской суете и быстротечности времени, словно оказываешься в другом измерении, где жизнь течёт неторопливо и размерено.

«Давай никуда не улетим, Ёжик…» (фото: Александр Исаков)

«Давай никуда не улетим, Ёжик…» – это маленькая вселенная. Философско-лирическая, уютная, теплая, горячо любимая. Попадая в мир, где живёт задумчивый Ёжик, забавный Заяц и проказник Медвежонок, мы понимаем, что самым дорогим в жизни является верная дружба. А ещё доброта. Добро творит чудеса, вдохновляет, окрыляет, делает нас чище, терпимее, умнее.

В спектакле много мудрости и особенной жизненной философии. Сказка о Ёжике наполнена тончайшими психологическими нюансами и оттенками человеческих эмоций и чувств. При этом не произносится ни слова! Только взгляды, потрясающая мимика, жесты, движения и сопровождающая их музыка. Они настолько выразительны, настолько «говорящие», что позволяют без особых усилий погрузиться и понять историю до мельчайших подробностей. Глядя на Ёжика, Зайца и Медвежонка невольно домысливаешь диалоги; даже кажется, что слышишь их голоса. Спектакль без слов «звучит» громче, ярче, мощнее, нежели многие сказки, рассказанные вербально.

Герои учатся доверять друг другу, взаимодействовать друг с другом и окружающим миром. Они познают пространство вокруг, тактильно общаются со зрителями, дурачатся, хохочут, пугаются, прячутся, грустят, злятся, делают глупости; они настолько живые, искренние, настоящие, что хочется им сопереживать, сочувствовать. Хочется тянуть к ним руки, как это делают дети; хочется прижиматься к таким пушистым, мягким, милым; хочется обнять крепко-крепко и сказать: «Давай никуда не улетим…». Эта мелодичная, тихая, спокойная сказка призывает зрителей никогда не расставаться с красотой, видеть её во всём и создавать собственный мир, полный прекрасного. Мир, в котором доброта прорастает деревьями, ослепляет солнечными зайчиками, падает каплями дождя на сухую землю, зажигается яркими звёздами. Мир, в котором возможно слушать и слышать тишину, мечтательно глядя в небо…

В любом из нас есть немножко от каждого из героев. Каждый из нас хоть чуточку похож на романтичного Ёжика, мечтающего о далеком и необычном. На преданного Медвежонка, готового поддержать, развеселить и, если потребуется, спасти друга, попавшего в беду. На игривого и добродушного Зайца, который улыбается до ушей, вечно в движении, ничего не боится и приходит на помощь по велению сердца.

«Давай никуда не улетим, Ёжик…» – это спектакль, который полностью захватывает чувства и мысли, сопровождает тебя и за пределами театра… Он невольно вспоминается и помогает преодолеть трудности, найти силы, когда на душе «скребут кошки», когда на улице холодно, неуютно и просто хочется тепла.

Кстати! Совсем недавно осознала, что сказка «Давай никуда не улетим, Ёжик…» разворачивается на совершенно голой сцене, практически без декораций. И ведь не возникает ощущения пустоты. Напротив, кажется, что пространство вокруг наполнено до предела. Тут и лес, и стелющийся туман, и озеро с лунной дорожкой. Когда Ëжик, Заяц и Медвежонок выходят на сцену, случается настоящее чудо! Происходит необъяснимое. Вокруг «вырастают» деревья, у ног близко-близко плещется вода, звёзды россыпью опускаются всё ниже и ниже (и кажется, вот-вот дотронешься до них рукой!), а за спиной расправляются крылья… И хочется летать! Погружаешься с головою в сказку. Тихую, нежную, рассказанную шёпотом на ушко. И мир становится светлее, добрее, лучше.

Светлана Демцура

Фото: Александр Исаков

Любимый «Ëжик»

В Москве завершилась российская кинопремия «Белый слон», победителей которой определяют российские кинокритики и киноведы. Не обошлось без скандалов — Лучшим фильмом стала картина Андрея Кончаловского «Дорогие товарищи», режиссер хотел снять работу с номинации из-за номинирования фильма Алексея Навального в категории Событие года. Жюри ответило, что фильмы не могут быть «разноминированы», в итоге и Кончаловский, и Навальный со своей командой за фильмы-расследования одержали победу в  своих номинациях. До этого в марте учредившая премию Гильдия киноведов и кинокритиков вышла из состава жюри «Белого слона» (причина все та же — номинирование Навального они считают политизацией премии).

Победителями так же стали:

Дмитрий Давыдов был признан лучшим режиссером за фильм «Пугало», а Валентина Чыскыырай-Романова получила приз за Лучшую главную женскую роль.

Приз за Лучший сценарий получил Михаил Сегал за картину «Глубже!» - фильм о театральном режиссере, который начал работать в порно-индустрии. Роль Александра Паля, исполнившего главную роль, признали Лучшей главной мужской ролью.

Лучшей операторской работой назвали работу Ирины Уральской в фильме Андрея Зайцева («Проект „Анна Николаевна“», «12», «Мост над бездной») «Блокадный дневник». Картина рассказывает о первой, самой тяжелой зиме блокадного Ленинграда.

Приз за Лучшую роль второго плана получила Виктория Исакова за игру в фильме Семена Серзина «Человек из Подольска». Фильм — экранизация одноименной пьесы Дмитрия Данилова про человека, попавшего в очень странный полицейский участок. Главный герой Николай пытается понять, за что же его задержали, пока московские полицейские пытаются взломать его сознание.

Лучшая работа художников — Александр Загоскин, Татьяна Патрахальцева и Галина Солодовникова в фильме «Серебряные коньки». Патрахальцева так же работала с фильмом «Салют-7», сериалами «Григорий Р.» и «Небесный суд», Загоскин —  с фильмом «Адмиралъ». Лучшей музыку к фильму признали музыку Анны Друбич в фильме «Гипноз» Валерия Тодоровского. Анна Друбич так же писала музыку для фильмов Леонида Парфенова про «Русских евреев» и для фильма Анны Меликян «Звезда».

«Гунда» Виктора Косаковского стала лучшим документальным фильмом, «Китобой» Филиппа Юрьева — Лучшим фильмом-дебютом. Лучшим короткометражным фильмом признали «Мы — значит» Игоря Марченко про соединение двух очень разных людей в исполнении Дмитрия Куличкова («Дурак», «Калашников», «На Верхей Масловке») и Ольги Сташкевич («Оттепель», «Склифосовский») и последовавший за этим хаос. «Хозяйка Медной горы» Дмитрия Геллера, созданная на основе рассказов уральского писателя Павла Бажова, получила приз как Лучший анимационный фильм. Лучшим сериалом назван проект Федора Бондарчука «Псих» о московском психотерапевте с большим количеством проблем в исполнении Константина Богомолова.

Приз молодых кинокритиков «Голос» получила короткометражка Максима Печерского «Год белой луны», состоящая из телефонных разговоров матери и сына. Возможно, именно в этот год невидимая планета Селена поможет двум самым близким и таким разным людям наконец услышать друг друга. Приз им. основателя премии Мирона Черненко получила Клара Исаева за многолетнюю и плодотворную педагогическую и киноведческую деятельность. Приз за вклад в искусство кино и Специальный приз «Событие года» получили отец и сын, Илья и Андрей Хржановские, за проект «Дау» и анимационный фильм «Нос, или заговор „не таких“» соответственно.

Автор: Таисия Малышева

В Москве завершилась российская кинопремия «Белый слон», победителей которой определяют российские кинокритики и киноведы.

Премия «Белый слон» 2021

«Ангел & Бес» в постановке Владимира Филонова – яркий, живой, динамичный, энергичный, красочный, музыкально насыщенный, танцевальный спектакль, способный вихрем увлечь за собой, одурманить, вскружить голову.

Сюжет развивается стремительно, не позволяет расслабиться, постоянно держит в тонусе. Драйвовая музыка, проникающая в самые глубины сердца, вызывает отклик, создает ощущение сопричастности происходящему. И вот ты уже не можешь найти покоя, страстно желаешь вместе с белокурым ангелом спуститься с небес:

«Мне в сердце покоя не найти…

Оно болит и в ночь на землю рвется.

Не усмирить его, себя не обмануть…

Я слышу зов. Я вновь готов собраться в путь…»

Ангел стремится стать обычным человеком, облачиться в плоть, познать земную жизнь, сохранив при этом порядочность, честность, благородство и другие чистые и светлые ангельские качества.

В спектакле Серафим изначально противопоставлен Бесу. Извечная борьба добра и зла, света и тьмы. И тут же вспоминаются слова Воланда, адресованные Левию Матвею: «Что бы делало твое добро, если бы в мире не было зла?».

Константин Рубинский и Владимир Филонов выстраивают логическую цепочку удивительных событий… И мы, зрители, с огромным увлечением пытаемся разгадать, понять смысловую перспективу спектакля. Каков будет финал?

Что ждет впереди Ангела? Кто победит в этой неравной борьбе: доверчивый и наивный скиталец или коварный Бес-искуситель? Найдет ли блуждающий Ангел свой райский уголок на грешной земле? Дом, где тепло, уютно, спокойно, из которого не захочется убегать?

Получается своеобразная азартная игра. Константин Рубинский и Владимир Филонов направляют зрителей, подталкивают от одной мысли к другой. Словно за руку ведут нас по разным уголкам земного шара (Лас-Вегас, Рио, Париж…), выбирая витиеватые тропы. И финал предсказать сложно… (читай – невозможно).

После помпезных, пышных, роскошных Лас-Вегаса, Рио и ночного Парижа как-то неожиданно оказываешься в снежной Сибири.

К тому же, среди холодных ветров находишься в теплом доме. Кстати! Тема поиска родного дома связывает воедино все события этой музыкально-танцевальной истории, пронизывает их, точно нить разрозненные бусы («Дом – это то место, где на душе спокойно»).

Хорош в роли Ангела Алексей Бутин! Именно так, наверное, и выглядит райский житель – белокурый, светлоглазый, стройный, высокий красавец с крыльями за спиной.

Он искренен, простодушен, доверчив. Он стремится спуститься на Землю, прожить человеческую судьбу, быть нужным, честным, правдивым, помогать детям, нести добро и свет, никого не обманывая. Ангелы – создания наивные, недаром главный герой уверяет: «Я смогу! Я справлюсь!». И даже спорит с Бесом и подначивает его, чтобы тот ему помог попасть в мир людей. Он – центр внимания, вокруг него сосредоточено и крутится действие. Падший, заблудившийся в лабиринтах пороков Ангел, обломав крылья, катится по наклонной. На его примере мы видим, во что может превратиться душа, поддавшаяся слабостям, страстям и грехам. Какой пепельно-черной она может стать в итоге.

Бесподобна в спектакле Варвара Курагина! От нее исходит невероятный поток позитивной, светлой энергии. Хрупкая, изящная Дева-Ангел поражает своим сильным, мощным, необыкновенным голосом. Чуткая, нежная, добрая, милая, задумчивая и мечтательная. Она всеми силами стремится помочь своему непутевому другу:

«Я проведу тебя сквозь тьму и ложь.

Знай, веря и любя, ты все пройдешь…»

Красивые глаза, искренняя, обворожительная, лучезарная улыбка... От нее невозможно оторвать глаз! Подобно тому, как солнце освещает мир, ее появление на сцене наполняет зал светом и возвышенной энергией:

«Неровным стало вдруг дыханье

И сердца слышен стук всем ангелам в раю…

Вот, значит, какова любовь земных созданий!

Как она посмела

В райские пределы,

В душу проскользнуть мою?»


Невозможно обойти стороной чертовски обаятельного Беса в исполнении Никиты Манылова. Его философские изречения, колкости, шуточки, ирония, улыбка, сладкие речи приковывают внимание, цепляют. Когда он поднимает кружку с пенным напитком, когда с легкостью взбирается по сценическим конструкциям и взирает свысока на происходящее, когда льстит и искушает Ангела, когда откровенно говорит о страстях, показывая порочность человеческой жизни – все это в совокупности пугает и завораживает одновременно.

В разных обличиях и образах он – самый настоящий дьявол. И тут же вспоминаются «Бесы» Ф.М. Достоевского… И в памяти невольно всплывают строки: «Ставрогин, вы красавец! Знаете ли, что вы красавец! В вас всего дороже то, что вы иногда про это не знаете. О, я вас изучил! Я на вас часто сбоку, из угла гляжу! В вас даже есть простодушие и наивность, знаете ли вы это? Еще есть, есть! Вы, должно быть, страдаете, и страдаете искренно, от того простодушия. Я люблю красоту. Я нигилист, но люблю красоту!».

Загадочна, обольстительна и игрива Каролина в исполнении Анны Солдаткиной. Она женственна, грациозна, пластична. Недаром красавица вскружила голову и покорила сердце нашего непутевого Серафима:

«Есть у нее ключи от мужских сердец.

И никто не устоит!

Страсть лилией в ночи

Расцветает здесь…

И дурманит, и манит».

Смотришь на нее и чувствуешь всю бурю эмоций, этот кайф, который она получает от жизни… От жизни беззаботной, сочной, яркой, свободной. Именно ее, эту жизнь, и отобрал наш герой у Каролины. Представляете?! Ангел, способный убить. Ангел, который оказался в сто крат хуже и страшнее самого Беса.

В спектакле постепенно стирается четкая граница между добром и злом, между белым и черным, между хорошим и плохим… Показаны оттенки, тонкости, нюансы. Режиссер демонстрирует неоднозначность бытия. В этой противоречивости и заключается вся прелесть постановки! Белоснежный Ангел на глазах у изумленной публики становится черным. И тут же Бес вдруг способен на неожиданные поступки.

P.S. Несказанно радует тот факт, что спектакль с каждым разом набирает силы! С каждым разом зрителей сильнее кружит эта музыкально-танцевальная история. А после спектакля в памяти еще долго-долго звучит бархатный голос Бланш (Елены Васильцовой). Той, которая утешает...

«Ангел & Бес» в постановке Владимира Филонова – яркий, живой, динамичный, энергичный, красочный, музыкально насыщенный, танцевальный спектакль, способный вихрем увлечь за собой, одурманить, вскружить голову.

Ангел и бес

В ночь с 25 на 26 апреля состоялась самая известная премия мирового кинематографа «Оскар». Церемония в этом году проходила в Лос-Анджелесе на вокзале Union Station.

Больше всего статуэток получила картина Хлои Чжао «Земля кочевников», её признали Лучшим фильмом, саму Хлою Чжао назвали Лучшим режиссером, а роль Фрэнсис МакДорманд — Лучшей женской ролью.

По 2 статуэтки забрали фильмы «Отец» Флориана Зеллера (Лучшая мужская роль (Энтони Хопкинс) и Лучший адаптированный сценарий), «Иуда и чёрный мессия» Шака Кинга (Лучшая мужская роль второго плана (Дэниэла Калуя) и Лучшая песня), «Звук металла» Дариуса Мардера (Лучший монтаж и Лучший звук), «Ма Рейни: мать блюза» Джорджа С. Вольфа (Лучшие костюмы и Лучший грим и прически), мультипликационный фильм «Душа» (Лучший анимационный фильм и Лучший саундтрек) и «Манк» Дэвида Финчера, номинированный в 10 категориях, (Лучшая операторская работа и Лучшая работа художника постановщика). «Девушка, подающая надежды» Эмиральды Феннел и «Минари» Ли Айзек Чуна получили по одной статуэтке — Лучший сценарий и Лучшая женская роль второго плана (Юн Ё-джон) соответственно. «Довод» Кристофера Нолана признали фильмом с Лучшими визуальными эффектами.

«Земля кочевников», ставшая Лучшим фильмом в самой популярной американской кинопремии, несколько дней назад получила звание Лучшего фильма на премии «Независимый дух», став Лучшим независимым фильмом 2021 года. Хлоя Чжао стала второй женщиной за 93 года существования премии, которую признали Лучшим режиссером. Приз за Лучший фильм на иностранном языке получила картина «Ещё по одной» Томаса Винтерберга. В середине декабря Европейская киноакадемия признала этот фильм Лучшим европейским фильмом, Винтерберга — Лучшим режиссером и Лучшим сценаристом (сценарий Винтерберг создал в соавторстве с Тобиасом Линдхольмом), а Мадса Миккельсена — Лучшим европейским актером.



В ночь с 25 на 26 апреля состоялась самая известная премия мирового кинематографа «Оскар». Церемония в этом году проходила в Лос-Анджелесе на вокзале Union Station.

Оскар-2021. Итоги

«Spocky Noki» – волшебный спектакль театра «Манекен», который с первых же секунд очаровывает, пленяет, захватывает и долго-долго-долго не отпускает. Возникает ощущение счастья, детской радости, «бабочек внутри» и непередаваемой лёгкости! Спектакль про обворожительного Spocky буквально пропитан светом, теплом, нежностью и добротой. Невероятная актёрская игра, мимика и пластика, сногсшибательные режиссёрские находки, гениальное сценическое оформление и потрясающие костюмы, музыка, видеопроекция и свет – всё сошлось и «выстрелило» в самое сердце. Точное попадание. Невозможно не влюбиться в эту постановку! Команда волшебников в лице Алексея Тетюева, Антона Сластникова, Елены Сластниковой, Ксении Рыжковой, Дмитрия Ускова, Антона Савченко, Дмитрия Иванченко и Павла Ларионова сработала виртуозно, не оставив зрителям ни одного (даже маленького) шанса.

О том, как рождался спектакль, мы поговорили с режиссером Алексеем Тетюевым. Предлагаем вашему вниманию первую часть беседы.

Режиссер Алексей Тетюев

Часть 1



– Алексей, вы верите в чудеса?

– Конечно! С детства это повелось... Может, не так сильно верю в Деда Мороза, как в другие чудеса, происходящие в нашей жизни. Особенно в те, которые заложены в каждом человеке.

Когда люди становятся взрослее, они забывают о чудесах, которые им дарованы вселенной, небесами. Задача театра как раз и заключается в том, чтобы «будить» людей, чтобы они просыпались и вспоминали о том, что в их жизни всегда есть место для чуда. Именно тогда вырастают крылья за спиной! Именно тогда жить становится легче.

Но, к сожалению, я все больше и больше понимаю, что вокруг много «заскорузлых» людей, которых никак не затронуть эмоционально, до них не достучаться, их очень сложно чем-либо зацепить. Потому что у них свои проблемы, правила и установки, расчетливые планы, прагматические цели, просчитанное наперед будущее, в котором совершенно нет места чудесам. Это весьма печально! В чудеса нужно верить хотя бы потому, что эта вера добавляет оптимизма, вселяет надежду на лучшее.

– Спектакль «Spocky Noki» поставлен по вашей любимой детской книжке «Маленькое привидение» немецкого писателя Отфрида Пройслера. Расскажите, пожалуйста, о своих детских впечатлениях от соприкосновения с этой историей.

– Дело в том, что мне мама постоянно говорила и до сих пор говорит: «Ты настоящий фантазер!».

В детстве мне никогда не было скучно с самим собой. Я всегда фантазировал, сочинял, придумывал что-то. Мама могла спокойно уйти на работу на сутки, зная, что со мной ничего не случится. Я всегда любил читать книги! И любимых книг у меня много, помимо «Маленького привидения». Лет в двенадцать я увлекся Толкиным и открыл для себя удивительно красивый мир, целую Вселенную!

А насчет «Маленького привидения» … Для спектакля требовалась какая-то драматургия, выстроенная история. Именно тогда я подумал про сказку Отфрида Пройслера.

Хотя в том жанре, в котором мы на сцене сделали этот спектакль, мне кажется, история вторична. На первом месте – ощущение чудес, которые происходят вокруг, которые заложены в каждом из нас и просыпаются только тогда, когда человек смотрит на звезды.

Из книги же был взят образ милого Spocky. Он наивный, добрый, доверчивый, иногда – суровый, упрямый, бесстрашный. Но в большей степени он милый. Признаться, я сперва хотел сделать из него большого проказника… Но в процессе работы акценты сместились. И в итоге к зрителям вышел милейший, обворожительный сказочный Герой.

Я не знаю, чем меня эта книга так зацепила... Но всегда возникало необъяснимое желание возвращаться к ней. Наверное, сработала интуиция. Я почувствовал, что сказка найдет отклик у зрителей.

Недавно я прочитал хорошее высказывание Юрия Бутусова о том, что режиссер должен всегда быть вдвоем с интуицией, идти с ней рука об руку. На интуиции строится любой спектакль, любой диалог со зрителем.

Кстати! Спектакли Новой студии для меня выстраивались интуитивно, на чувственном уровне. К примеру, спектакль «ANIMALS» по пьесе Дона Нигро «Звериные (зверушкины) истории» я придумал за пять минут, пока шел от дома до магазина.

И войдя в магазин и встав в очередь, я неожиданно понял, как должна выглядеть эта постановка. Сработала интуиция. Появилась идея! Появилось желание размышлять, придумывать, фантазировать. И ты уже невольно начинаешь жить с этими мыслями. Здесь главное – не перегореть.

– Почему вы решили уйти от названия «Маленькое привидение» и пойти другим путем, придумав совершенно необычное «Spocky Noki»?

– О! Почему Spocky Noki? А почему Snow Show? Я не знаю… У «Лицедеев» был чудесный спектакль под названием «Чурдаки». Почему «Клиника»? Почему? Да потому!

Признаться, сначала было рабочее название «Spocky». Просто «Spocky». В честь главного героя. А потом вся ночная история стала оживать на сцене… И замечательный, уважаемый мною коллега Валерий Павлович Жеребцов подсказал: «Леша, а может, спектакль назвать Spocky Noki?». И я так: «Ой! А круто звучит!». И мне это зашло!

Станиславский как-то сказал, что театр начинается с вешалки… Для меня театр начинается с афиши и названия спектакля. Когда я натыкаюсь на что-то цепляющее, я загораюсь желанием это увидеть. Допустим, на афише читаю: «Онегин. Режиссер – Иван Миневцев. Молодежный театр», меня это цепляет. И я сразу думаю: «Интересно, что там Ваня придумал?». Таким же образом я отреагировал, когда увидел афишу «Онегина» театра имени Евгения Вахтангова, когда они приезжали в Челябинск на гастроли. Я прямо загорелся, захотел попасть на показ!

– 25 марта 2019 годы вы закончили писать инсценировку к спектаклю словами: «Завтра утром прилетит мой самый дорогой и близкий друг». Расскажите, сложно ли было самому писать инсценировку? Долго ли рождался текст? Или вдохновение позволило единым порывом придумать и написать целый спектакль в деталях?

– Понимаете, когда в тебе бушует буря ярких эмоций, когда масса идей, колоритных, сочных образов просятся наружу, сложно себя заставить написать за день логически выверенный, связный текст инсценировки.

Когда ты понимаешь, что идеи нужно донести до артистов суть, внятно её объяснить и при этом вдохновить, «заразить» каждого, перед тобой встает сложнейшая задача.

Мне вообще с трудом удается писать большие тексты. Я не люблю, я не понимаю, как это делать.

Есть специалисты, которые перелопачивают горы текста – как, допустим, Юрий Бутусов. Он неоднократно признавался:

«Я закрываюсь в комнате, беру клей и ножницы. Начинаю работать над текстом пьесы: ножницами разрезаю пьесу на эпизоды и переставляю в буквальном смысле их местами, беру канцелярский клей и наклеиваю листок один на другой. Это напоминает конструктор. Получаются толстые листы. Происходит в буквальном смысле физическая вещественная материальная работа над текстом».

У меня подход совершенно другой. Мне важнее не написать красивые фразы, предложения, а донести с помощь пантомимы образы и смыслы. Когда фантазия в тебе бушует, когда ты, действительно, спектакль вынашивал долгое время, около 20 лет, основная задача – создать на сцене чувственную историю, рассказанную практически без слов.

Да, 20 лет назад я впервые увидел Snow Show, познакомился с Вячеславом Ивановичем Полуниным и страстно захотел создать спектакль, в котором бы присутствовала эта магия!

И слова в конце инсценировки: «Завтра утром прилетит мой самый дорогой и близкий друг» для меня – самые важные, потому как действительно в тот день прилетал дорогой и близкий моему сердцу человек.

Этим я и закончил, этому и посвятил «Spocky Noki» (улыбается)

– В интервью 31 каналу (программа «Личное мнение») вы сказали: «Эта сказка о добре, которого все меньше и меньше встречается в нашей современной жизни. И какая-то частичка этого добра хранится, таится в старом сундуке на заброшенном чердаке. Именно там живет наш главный герой. Такой добрый, открытый, наивный. По мне, он олицетворяет человеческую неприкаянную душу: белую, чистую, светлую. Это разговор на уровне ощущений. Это фантазия, в которой слова лишние». В связи с этим вопрос: где и когда вы научились так виртуозно разговаривать со зрителями о добре без слов? Не боялись, что вас не поймут? Не боялись, что возникнет недопонимание?

– Если говорить о том, что недопонимание может возникнуть со стороны зрителей, у меня не было такого опасения. Потому что я долгое время таким же языком разговаривал с публикой, играя спектакль «Клиника». Где я ему научился? Все просто: у своих учителей, мне с ними повезло! С Владимиром Федоровичем Филоновым. В программке указано: «Посвящается папе Вове» (улыбается)

Владимир Федорович Филонов

– Ах, эта фраза про него?

– Да! Владимир Федорович – папа Вова. И спектакль посвящен ему, его взгляду на мир, его глазам, потому что я никогда не замечал за ним злости.

Я не люблю слова, я устаю от слов. Они меня утомляют. Мне ближе полунинская магия.

Конечно, я не против художественных произведений и литературы. Но театр гораздо обширнее всех слов, взятых вместе! Именно поэтому спектакль «Spocky Noki» говорит со зрителем микровзглядами, ироничными и глубокими паузами.

Возьмите немое кино Чарли Чаплина. Люди же без слов понимали его. И не требовалось каких-то комментариев, объяснений. Все было понятно по глазам, по действиям. И люди смеялись, умилялись, становились добрее.

Спектакль «Spocky Noki» театра «Манекен»

Кстати! На одном из показов «Spocky Noki» на поклонах дети, не сговариваясь, встали и побежали по очереди обнимать Spocky и актеров.

Детям никто не подсказывал, не советовал так делать. Это было совершенно неожиданно и безумно приятно! Такой искренний, естественный порыв, самое настоящее проявление любви и доверия!

Потому что «разбудили», потому что получилось вызвать неподдельные эмоции! Потому что артисты смогли достучаться до детских сердец.

– Вы в интервью признались, что «Spocky Noki» – это шалость. А вообще вы любите шалить?

– Да! Я люблю пошалить, похулиганить. Я это обож-а-а-а-а-а-а-ю! (смеется)





Беседовала Светлана Демцура

«Spocky Noki» – волшебный спектакль театра «Манекен», который с первых же секунд очаровывает, пленяет, захватывает и долго-долго-долго не отпускает. О том, как рождался спектакль, мы поговорили с режиссером Алексеем Тетюевым. Предлагаем вашему вниманию первую часть беседы. Часть 1

Пропитанный светом, нежностью и добротой

«Spocky Noki» – волшебный спектакль театра «Манекен», который с первых же секунд очаровывает, пленяет, захватывает и долго-долго-долго не отпускает. Возникает ощущение счастья, детской радости, «бабочек внутри» и непередаваемой лёгкости! Спектакль про обворожительного Spocky буквально пропитан светом, теплом, нежностью и добротой. Невероятная актёрская игра, мимика и пластика, сногсшибательные режиссёрские находки, гениальное сценическое оформление и потрясающие костюмы, музыка, видеопроекция и свет – всё сошлось и «выстрелило» в самое сердце. Точное попадание. Невозможно не влюбиться в эту постановку! Команда волшебников в лице Алексея Тетюева, Антона Сластникова, Елены Сластниковой, Ксении Рыжковой, Дмитрия Ускова, Антона Савченко, Дмитрия Иванченко и Павла Ларионова сработала виртуозно, не оставив зрителям ни одного (даже маленького) шанса.

О том, как рождался спектакль, мы поговорили с режиссером Алексеем Тетюевым. Предлагаем вашему вниманию вторую часть беседы.

Часть 2


– В сеть попали замечательные, атмосферные фотографии с репетиционного процесса (maxdyakov)... По ним мы могли судить о том, как рождался спектакль «Spocky Noki»! Особенно они интересны, когда сравниваешь с тем, какая красивая сказка получилась в итоге. Алексей, вспоминая то время, расскажите, пожалуйста, о репетиционном процессе. Все ли шло по плану?

– Вы знаете, стоит признаться, под конец я «закопался» в своих фантазиях до такой степени, что стал осознавать: спектакль может растянуться на полтора часа. То есть «закопался» я капитально.

И какое счастье – работать с прекрасной командой, с талантливыми артистами! С людьми, которые болеют, горят, переживают, которые говорят: «Леша, пойми, мы же хотим помочь». И это классно! Безумно приятно!

Фотографии с репетиционного процесса

За полтора месяца до выпуска я не мог прийти к окончательному варианту... Мне казалось, что все идеи нужно включить в спектакль. Волнительно, беспокойно было на душе. Я оказался на грани нервного срыва! И один хороший человек мне подсказал, что делать, направил меня. За что я ему безгранично благодарен и признателен! После разговора с ним я пришел домой, сам «ножками» прошел всю постановку и смог найти верное решение.

А на репетициях все существовали в какой-то легкой, доброй атмосфере, в так называемой игре. Все артисты придумывали, сочиняли, творили; безумное количество хороших предложений поступило от Леши Чумака. Он вообще замечательный фантазер! Много отличных идей возникло у Никиты и Жени (Никита Манылов и Евгений Смирнов — прим. ред.). Во время этюдов ребята показывали свои домашние «заготовки», прорабатывали роли. И это была настоящая радость, кайф!

Сидя в зале, я отчетливо понимал, что вся история должна обязательно завершиться волшебством. Именно поэтому в финале появляется огромная луна и лунная дорожка, звучит прекрасная музыка, на небе зажигаются яркие звезды и возникает необъяснимая магия.

– Как происходило распределение ролей?

– Изначально ставка делалась на Стаса и Никиту (Станислав Хомков и Никита Манылов — прим. ред.). Но потом я подумал, что длинная Новогодняя кампания – это серьезная нагрузка для них. Поэтому было принято решение делать два состава. К тому же в нашем театре есть замечательные ребята, которые способны на многое! К примеру, Женя Смирнов по своей природе настоящий клоун, артист с никулинской органикой! Как я могу его обойти стороной? Мне в радость работать с ним! У Леши Чумака невероятная фантазия, энергетика, колоссальные способности! Я сразу поверил в него!

И актеры поверили в меня, загорелись, выложились на 100%, за что им огромное спасибо!

А про светлячков я вообще молчу! Тут даже вопросов не стояло. Я изначально понимал, кто какую роль будет играть. Понимаете, каждый спектакль для артистов – это учебный момент, это познание тонкостей профессии, чего-то нового.

– В спектакле «Spocky Noki» есть безумно красивые и очень эмоциональные сцены с пером. О них вы неоднократно говорили в интервью, а также в прямом эфире в Инстаграмм. Они цепляют, врезаются в память. Расскажите, кто и как придумывал их. Ведь в книге ничего подобного нет?

– Не хочется все карты раскрывать… (улыбается) Многие отличные идеи пришли в спектакль через артистов. Именно так артист увидел, придумал, прочувствовал роль. Рождались подобные сцены в процессе этюдов, в процессе совместного творчества. Филины прекрасно справились с поставленными задачами! И это не удивительно, ведь каждый из них безумно талантлив, артистичен, пластичен. У Никиты Манылова, к примеру, большой опыт игры в спектакле «Клиника».

– Часовщик Тики-Так способен управлять временем. Хотели бы вы когда-нибудь стать ненадолго Тики-Таком, чтобы вернуться в прошлое и что-то поменять?

– Ох… Наверное, да. Вернуться в прошлое и, не меняя ничего, остаться там, в том времени. Беззаботном, светлом, солнечном. Вернуться к бабушке в квартиру, вновь испытать детское ощущение безусловного счастья…

Но зачем об этом говорить? Это же невозможно. А жить прошлым, носить его в себе, жалеть об ошибках, которые совершил – не стоит. Главное – впереди. Главное понять, для кого ты – герой; для кого ты важен здесь и сейчас. Кому ты нужен именно сейчас.

– Хотели бы вы повернуть стрелки часов назад и что-то исправить в спектакле? Довольны ли вы результатом? Или нет предела совершенству?

– Сразу скажу: нет предела совершенству. Но что-то менять в «Spocky Noki», конечно, не намерен. Теперь это не в моей власти. Спектакль принадлежит актерам, он полностью в их руках. Теперь они главные герои.

– Владимир Спешков в конце марта написал:

«Все-таки потенциал настоящего (а не имитационно-халтурного) «театра детской радости» неисчерпаем. Наконец-то посмотрел, давно собирался, спектакль «Spocky Noki» в театре «Манекен». Милота и внятность истории про познающее самое себя симпатичное привидение, помноженные на пеструю радость сценографии и костюмов, старую добрую пантомиму в полунинско-филоновском духе». Алексей, раскройте секрет магического воздействия на зрителей и критиков этой доброй пантомимы в «полунинско-филоновском духе».

– Какие секреты?! (смеется)

Падает перышко сверху… И возникает ощущение, что время замирает. Потому что, по мне, театр работает не только какими-то художественными средствами, он еще работает со временем. Театр работает с ощущениями; он достает залежавшиеся, запотевшие, заплесневевшие чувства и превращает их в нечто прекрасное.

Какой секрет? Ну какой секрет у вкусных бабушкиных пирожков?! Секрет один – любовь! Когда бабушка скучает и ждет встречи, когда готовит угощение, она вкладывает в пирожки свое тепло, нежность, любовь.

Секрет один. И он очень простой. Все должно происходить по любви. Особенно театр. Вячеслав Иванович Полунин правильно сказал: «Нельзя насильно заставлять человека заниматься искусством или творчеством». Любой творческий процесс – это процесс занятия любовью. Если нет взаимности, нет магии и любви, то театр невозможен.

– А почему вы сами не вышли на сцену? Многие зрители, не сговариваясь, писали в своих отзывах о том, что роль Spocky – это роль для вас. Признавайтесь, вас тянет на сцену?

– Как сказать… Меня тянет на сцену, но не в роли Spocky. У меня есть свой персонаж. Есть Тить из «Клиники», который всегда со мной. Возможно, на какое-то время я его забыл, но он рано или поздно явится, я точно знаю.

Зачем мне выходить на сцену в роли Spocky? Плохое качество – жадность. Жадность и зависть. Это то, что разъедает художника изнутри, съедает, уничтожает. А зачем жадничать, когда есть вокруг такие талантливые люди? Мне же тоже хочется им это привить. Любовь к пантомиме, к клоунаде…

Ведь клоунада является высочайшей точкой актерского мастерства. Хороший артист – это хороший клоун, который не только владеет словом, а еще умеет выстраивать общение со зрителем в тишине…

– По итогам Областного фестиваля детских спектаклей «Морозко» (Челябинск, 2021) вы были отмечены дипломом за лучший режиссёрский дебют, Станислав Хомков получил диплом за лучшую мужскую роль, Антон и Елена Сластниковы — диплом за лучшее художественное оформление.

Как вы относитесь к этим наградам? Планируете принимать участие с этим спектаклем в других фестивалях? Мы уже знаем (со слов Владимира Спешкова) о том, что спектакль приглашён на летние «Ирбитские подмостки». Как справедливо отмечает театральный критик:

«Вообще-то он вполне достоин того, чтобы на него выстроилась фестивальная очередь».

– Ох, как хочется поучаствовать в фестивалях! Разных, близких и далеких, маленьких и больших. Это как глоток свежего воздуха! Фестивали, гастроли жизненно необходимы любому театру для того, чтобы развиваться. Они помогают посмотреть на себя со стороны, услышать мнение экспертов, коллег из других театров, критиков, они, в конце концов, сплачивают коллектив, так как на фестивалях зачастую возникает дух соперничества.

А награды, признание – это всегда волнительно и приятно. Особенно, когда фестивальное жюри отмечает артистов.

– В спектакле «Spocky Noki» очень бережно и нежно рассмотрена тема счастья… В чем кроется счастье лично для вас?

– Счастье в глазах родной души. Счастье в желании возвращаться туда, где тебя ждут, где тебя потеряли, где ты нужен. И быть там героем.

– Spocky очень часто произносит фразу: «Spocky – герой». Тема героя сквозной линией проходит через весь спектакль… А каким видится вам герой современности?

– Ох, не знаю… Есть ли они, герои эти?

Кстати, врачи – это настоящие герои. Кочегары, металлурги – герои. Пожарные, спасатели… Все те, кто жертвует собой ради других людей. Кто не жалеет сил, энергии, здоровья, жизни ради ближнего.

– «Spocky Noki» – технически сложный спектакль… Вы осознанно шли на это усложнение? Ведь использование техники – всегда риск непредвиденных ситуаций: вдруг что-то не включится, не заработает, выйдет из строя?

– Конечно, это риск. Большой риск! Да, спектакль технически сложен. Я пошел ва-банк, рискнул и до сих пор пожинаю плоды своего решения. Есть ряд проблем, которые периодически всплывают.

Сейчас встает вопрос о поездках на фестивали… «Spocky Noki» создан под манекеновскую сцену. Его, безусловно, можно играть на других площадках, но не в том варианте, что здесь.

– Алексей, расскажите, как вам работалось с Антоном и Еленой Сластниковыми? Как появился мир «Spocky Noki»? Кто придумал эти улочки и домики, эти маленькие лавочки, эти фонарики и огоньки?

– Это моя фантазия. Я очень долго вынашивал идею «Spocky Noki», обдумывал, размышлял… И я четко понимал, каким он должен быть –сказочный мир милого Spocky.

С Антоном и Еленой работалось чудесно! Я прекрасно помню, как Антон с первой нашей встречи загорелся идеей. Помню, как он рисовал спектакль, как мы вместе искали анимационное решение. Я видел, ощущал, чувствовал, что Антон и Лена полностью погружены в материал, горят, что они неравнодушны.

Алексей Тетюев и Антон Сластников

А как они переживали, когда мы вдруг стали менять внутри спектакля сцены! Антон эмоционально отреагировал тогда: «Да что вы делаете?! Зачем?! Оставьте все как есть». Антон невероятно талантлив! Он тонко чувствует театральное пространство, его многослойную структуру. Он умеет точно подобрать цветовые и художественные решения.

Для «Spocky Noki» Лена создала безумно красивые костюмы! Каждый из них – отдельное произведение искусства, шедевр.

Антон и Лена – прекрасный тандем! Они уникальные люди. И мне чертовски повезло с ними. Я безгранично счастлив, что нам удалось услышать, понять друг друга.

– Зрители, увидев Spocky Noki, пишут:

«Такой спектакль врачи должны прописывать от хандры! Вообще его можно продавать в записи (на флешке) вместо пилюль от головной боли!».

В связи с этим вопрос, чувствуете ли вы себя изобретателем эликсира, который исцеляет человеческие души?

– Наверное, да. Есть такое. От показа к показу особенно. Повторюсь, дети, побежавшие к Spocky на сцену в едином порыве, – это ли не доказательство магии спектакля?

– В спектакле есть одна очень интересная деталь. Часовщик-рассказчик Тики-Так подстрекает нарушить самое важное правило – не покидать чердак днём. В этом кроется призыв к диверсии, непослушанию… Что вы об этом думаете?

Часовщик-рассказчик Тики-Так

– В этом заложено одно: «Попробуй! А вдруг? Вдруг у тебя получится сотворить чудо? Вдруг получится стать героем?» В спектакле отлично показано, что Spocky рискнул, попробовал и выиграл. Хотя главное не это. Самое важное в этой истории – возвращение к другу. Туда, где тебя любят и ждут.

Автор: Светлана Демцура

«Spocky Noki» – волшебный спектакль театра «Манекен», который с первых же секунд очаровывает, пленяет, захватывает и долго-долго-долго не отпускает. О том, как рождался спектакль, мы поговорили с режиссером Алексеем Тетюевым. Предлагаем вашему вниманию вторую часть беседы.

Возвращение к другу. туда, где тебя любят и ждут

В Москве прошел 43-й Московский Международный Кинофестиваль. Это старейший фестиваль кино после Венецианского, в нем участвуют режиссеры из самых разных уголков мира. Главный приз ММКФ - «Золотой Святой Георгий», в этому году он достался румынской картине Андрея Хуцуляка «Засранка». Фильм-сатира рассказывает о крупном интернет-скандале, произошедшем из-за отказа хозяйки убрать за своей собакой, нагадившей в сеульском метро.


Специальный приз жюри достался немецкому фильму «Кровопийцы» Юлиана Радльмайера. Это картина о неудавшемся актере Лёвушке, сыгравшего Троцкого в фильме Эйзенштейна «Октябрь», но вырезанного из финальной версии из-за опалы политика. Лёвушка едет в Голливуд, но по пути останавливается в деревне на севере Германии и влюбляется в прекрасную молодую вампиршу.


Лучшим режиссером и обладателем приза Серебряный «Святой Георгий» стал Алексей Федорченко за фильм «Последняя „Милая Болгария“». Леонид Ец, пытающийся сохранить выведенный его отцом сорт яблок «Милая Болгария», расследует дело о пропавшем писателе, в комнате которого живет в 1943 году. От писателя Семена Курочкина остались плащ и шляпа на крючке, личный дневник, которые Леонид перечитывает в поисках зацепок. Семен Курочкин — один из псевдонимов прозаика Михаила Зощенко, его повесть «Перед восходом солнца» послужила вдохновением для картины.





Автор: Таисия Малышева

В Москве прошел 43-й Московский Международный Кинофестиваль. Это старейший фестиваль кино после Венецианского, в нем участвуют режиссеры из самых разных уголков мира.

Московский Международный Кинофестиваль - 2021   

25 и 27 апреля 2021 года в Челябинском Молодежном театре состоялась премьера спектакля «Ван Гог. Автопортрет» по мотивам «Писем к брату Тео» Винсента Ван Гога и эссе Антонена Арто «Ван Гог. Самоубитый обществом». Нам удалось побеседовать с режиссером Александром Черепановым о том, как к нему пришла идея поместить в одно сценическое пространство Ван Гога и Арто, о схожести судеб художников-мыслителей, о мировоззрении творцов, не имевших признания при жизни, об ощущении глобальной несправедливости. Предлагаем вашему вниманию первую часть беседы.


Часть 1

– В одном из интервью вы признаетесь: «Я столкнулся с письмами Ван Гога, они показались мне настолько человечными, душевными, полными любви. В тот момент я подумал, насколько схожи судьбы двух этих творцов, двух гениев: Ван Гога и Антонена Арто». Расскажите, как вы лично относитесь к гениальности Ван Гога, к гениальности Арто? Вам жаль Ван Гога? Или про жалость здесь говорить не уместно?

Винсент Ван Гог. Автопортрет (1887 год)

– Сложно сказать… Гениальность Ван Гога – это такая очевидная вещь. Весь мир понимает и знает это. Что-то добавить здесь сложно.

Да, о жалости уместно говорить. Это жалость человеческая, гуманистическая. Конечно, не христианская. И обусловлена она несправедливостью, которая была допущена обществом по отношению к Ван Гогу. Ведь признание к нему пришло только после смерти. И мое чувство по этому поводу даже нельзя назвать жалостью… Это ощущение какой-то глобальной несправедливости.

– А кто в спектакле на первый план выходит: Ван Гог или Арто? Судя по названию, все-таки Ван Гог. Верно?

– Я бы так не сказал. Для меня эти художники, мыслители равнозначны. Из названия, конечно же, кажется, что Ван Гог – центральная фигура спектакля. Но Арто, если называть иронично, выступает «серым кардиналом» современного театра. Его мало кто знает при том, что он серьезное влияние оказал на европейский театр и даже на русский театр. И продолжает оказывать. Можно сказать, современный европейский театр (а Россия – часть Европы) воплотил идеи Арто. И поэтому в спектакле Арто играет не последнюю роль. Он не только персонифицированно присутствует на сцене, его мысли и идеи присутствуют в спектакле. В том числе звучат отрывки эссе «Ван Гог. Самоубитый обществом».

Здесь вспоминается фраза гениального мыслителя современности Мераба Константиновича Мамардашвили, который всегда интересно, четко, остро, свежо описывал глобальные проблемы человечества. Он говорил: «Мысль может проявляться в разных формах». Его лекция «Метафизика Арто» посвящена формам выражения мысли.

Мысли Ван Гога присутствуют в чудесных живописных работах. А мысли Арто выражаются не только через театральное искусство, но и через прекрасные эссе, поэзию, пьесы и романы.

– Прозвучат ли со сцены такие провокационные высказывания Арто, как «психиатрия сама видится загоном горилл, одержимых манией преследования и способных смягчить самые ужасающие приступы страха и удушья, которые только знал человек, лишь своей смехотворной терминологией, достойным порождением их ущербных мозгов»; «ежели при совокуплении у психиатра из глотки не вырвалось знакомое кудахтанье и одновременное бульканье в горле, пищеводе, провозгласить себя удовлетворенным он никак не может». Вы сглаживали, «причесывали» текст? Или возмущенные речи Арто будут греметь со сцены в том виде, как они написаны?

– Исходя из постулатов Арто, театр не должен быть текстоцентричным. Поэтому здесь нет вопросов «сглаживания» или «несглаживания» текстов. Здесь возникают скорее вопросы проявления мыслей каким-то иным способом, в иной форме. Перевод текста на другой язык, на язык совершенно иных структур.

Антонен Арто. Автопортрет (1947 год)

Конкретно эти тексты не будут звучать в спектакле. Хотя я их в каком-то смысле разделяю. Но мне не хочется переходить на территорию психиатрии. У Арто были личные счеты с психиатрами. У меня таких счетов нет…Пока нет. Не зарекаюсь ни от чего, все возможно в жизни. И у меня нет желания оскорблять врачей психиатрических лечебниц. Хотя вскользь мы затронем эту тему. Не в такой острой форме. Потому что проблема психиатров для меня в спектакле не главная.

В постановке на первый план выходят другие проблемы. В спектакле показано общество как некая аморфная субстанция, которая глуха к боли ближнего, которая не способна проявить эмпатию, сострадание. Общество, которое зациклено всегда на себе.

Сейчас это, на мой взгляд, очень актуально.

– В своих интервью вы упоминали, что вдохновением для постановки «Ван Гог. Автопортрет» послужили «Письма к брату Тео» Винсента Ван Гога и эссе Антонена Арто «Ван Гог. Самоубитый обществом». Как вы соединяли эти тексты? По какому принципу происходил выбор фрагментов? Из вашей лекции «Антонен Арто. Безумный взгляд» на Лаборатории зрителя стало понятно, что именно вы занимались этим.

– Выбор был мучительным. Несмотря на то, что судьбы Ван Гога и Арто схожи, совмещать, соединять их тексты было крайне сложно.

Стоял выбор между хорошими текстами писем Ван Гога и интересными, своеобразными текстами Арто, которые почти не связаны, не коррелируются. Разве что они могу только находиться в конрапункте, потому что письма Ван Гога наполнены какой-то человечностью, чувственностью, добротой, нежностью, любовью. А тексты Арто острые, обличающие в каком-то смысле, они преисполнены физической боли. Ее, эту боль, ощущаешь, когда читаешь каждое предложение, каждое слово.

Александр Черепанов. Фото: Александр Исаков

Нужно понимать, что идея театра Арто не сводится к тексту. Передо мной как режиссером стояла непростая задача: необходимо, чтобы в спектакле и текст был, и реализовывались идеи Арто на сцене. Мне его подход очень близок. Я тоже считаю, что театр не создан для обслуживания текста.

Театр самодостаточен, он существует сам по себе. Текст возможен в театре, конечно. Это не значит, что мы пытаемся его как-то отрицать. Но это как одно из выразительных средств. На тексте не может зиждиться театр. Это совершенно обособленный вид искусства, в котором много тайн. И возможности театра до сих пор в полной мере не раскрыты, не изучены. Именно этим мы пытаемся заниматься. Поэтому было очень сложно выбирать эти тексты, выстраивать их в логическую цепочку, менять местами, потом от них отказываться, искать новые фрагменты, подходящие по смыслу… Не только я этим занимался, но и артисты мне в этом помогали. И это замечательно! Здесь очень важно то, как артист личностно относится к материалу. Поэтому я попросил их подключиться к процессу выбора фрагментов писем Ван Гога и эссе Антонена Арто. Я попросил найти те, которые им ближе, которые по душе. В такой совместной работе мы существовали долго…

– То есть вы не приглашали драматургов из Екатеринбурга?

– Нет-нет, никого не приглашал! В данном случае драматург был бы лишним. Видите, я рассуждаю здесь как Ван Гог… Он про себя говорил: «Я лишний».

Безусловно, я люблю всех наших замечательных ребят из уральской драматургической школы, и с удовольствием работаю со многими. Но здесь другая история…

Ближайшие показы спектакля запланированы на 26 мая, 10 и 24 июня 2021 года. Не пропустите!



Беседовала Светлана Демцура

25 и 27 апреля 2021 года в Челябинском Молодежном театре состоялась премьера спектакля «Ван Гог. Автопортрет» по мотивам «Писем к брату Тео» Винсента Ван Гога и эссе Антонена Арто «Ван Гог. Самоубитый обществом» Часть 1

Статьи